10 grandi brani Hard’n’Heavy che non hanno fatto epoca (ma li preferisco a qualsiasi Måneskin)

Malice

It’s Only Rock ’n’ Roll (But I Like It)…Questo celeberrimo aforisma degli Stones mi tornava in mente quando meditavo sull’argomento di un prossimo articolo, che avesse la “leggerezza” di una playlist senza vinti né vincitori: semplicemente una raccolta di dieci brani rimarchevoli dei nostri amati anni ’80 (penso di poter estendere il sentimento ai lettori che ci seguono) solo in parte appagati dal successo, ma che restano nel cuore di chi ha seguito con passione lo scenario Hard’n’Heavy dell’epoca.
Non ho deliberatamente fatto distinzioni di sub-genere, perché l’itinerario si snoda dagli Anvil ai New Frontier, passando dall’Heavy Metal a graduali declinazioni melodiche fino all’AOR, cercando di svariare un po’ nell’ambito dei miei interessi musicali.
Pur in un contesto di nicchia, voglio rendere giustizia ad artisti che si sono battuti contro la fortissima concorrenza dell’epoca, uscendone forse e ripeto, forse, sconfitti se le aspettative erano di altisonante successo, ma ai quali va sicuramente riconosciuto l’onore delle armi e la devozione da “culto” di numerosi esperti.
Lo ammetto, mi fa un po’ specie che gruppi di questo tenore siano finiti ai margini, mentre oggi si inneggia a “redentori del rock” come il luccicante quartetto citato nel titolo…Non amo polemizzare, ma non capisco perché negli anni ’90 la critica istituzionale infamasse le “pose” dell’hair metal, inneggiando alla rivoluzione grunge, mentre ora la stampa che conta si prostra di fronte all’immagine preconfezionata delle nuove glorie nazionali del rock; e nemmeno capisco, sarà per la non più verde età, come mai non si considerasse la capacità di scrivere canzoni che resistono nel tempo, dimostrata da vituperati esponenti dell’hard rock e dell’heavy metal degli Eighties, ed oggi sbalordisce una cover baciata dalla buona sorte (occorre dirvi quale?) sebbene sia lecito nutrire qualche dubbio sulla gran personalità dei “fenomeni” che l’hanno restaurata. Insomma, non si tratta davvero dei Van Halen che rilanciavano “You Really Got Me”…

Però gli Abba cantavano a buon diritto “The Winner Takes It All”, e se per i trasgressivi giovincelli “le porte di Sanremo 2022 sono spalancate”, oppure Roma sogna un loro inno per aggiudicarsi l’Expo 2030, certe perplessità servono a ben poco. Potrà questo successo riversare nuova linfa vitale sul rock?
Intanto, mi sono ripromesso di non utilizzare mai e poi mai massime abusate dagli Scopritori di Talenti come “questo cantante spacca!” oppure “stavolta non mi è arrivato” per non dire “sottolineo il percorso…”. No, non fanno per me.
Andando oltre, voglio rendere omaggio a chi, nel proprio ambito, porta avanti da decenni, con indomito entusiasmo e competenza, la diffusione radiofonica delle mutazioni hard’n’heavy. Parlo di Marco Garavelli, un vero professionista che dall’alba degli anni ’80 ad oggi, da Radio Peter Flowers all’attuale Radio Lombardia – senza dimenticare Rock FM – ha proseguito incessantemente nella sua “Linea Rock”, un programma in perfetto equilibrio fra storia ed innovazione. A lui va il nostro ringraziamento, mio e di Giancarlo, per ospitarci a scadenza mensile con le proposte di Rock Around The Blog, senza altro interesse all’infuori delle comuni emozioni per la musica. Un “grazie” che va esteso anche al suo ex collaboratore, l’amico e scrittore Mox Cristadoro, per l’attivazione in merito.
Spero che il revival dell’heavy rock d’annata qui condensato possa piacere anche a loro.

N.B.: Come già premesso nel precedente articolo “Under Cover!” la sequenza riflette l’ordine cronologico di pubblicazione degli album che includevano i brani, non si tratta di una classifica.

Tratta dal Maxi-Singolo 12”: “Metal Conquest” (Thunderload 1981)

Si iniziò a parlare insistentemente di epic-metal con l’invasione dei guerrieri d’Oltreatlantico Manowar, Cirith Ungol, Warlord, Virgin Steele e Armored Saint, ma il diritto di primogenitura potrebbe spettare agli svedesi Heavy Load, quando ancora la Scandinavia era lontana dall’essere territorio di conquista per il rock ad alto voltaggio. A maggior ragione, si potrebbe far risalire a questi pionieri nordici le radici di sotto-generi come il viking metal, successivamente attribuito a formazioni più estreme nella formula musicale.

Gli Heavy Load hanno dato i primi segnali di vita discografica addirittura nel 1977, con un album dal titolo promettente, “Full Speed At High Level”, ma non altrettanto riuscito.
Invece, il metallo ispirato alla mitologia del proprio paese prendeva pienamente forma nel trittico di opere licenziate dall’etichetta Thunderload, dal 1981 all’84: “Metal Conquest”, “Death Or Glory” e “Stronger Than Evil”, inseguiti dai ricercatori di eccentricità hard’n’heavy anche per inserti (poster) di pregio. Fra le cinque tracce di “Metal Conquest” svetta proprio per connotati epici “Heathens From The North”, che si appropria di un tema già cantato dagli inglesi Audience in “Raid”, all’epoca delle intemperie dark che infuriavano sul rock progressivo. Anche gli Heavy Load resuscitano il clima di terrore, morte e violenza che gravava sulle scorrerie dei “Barbari del Nord, venuti per depredare ogni cosa, sfidando i poteri del mare misterioso”; la ricostruzione delle efferate razzie avviene attraverso un mid-tempo angoscioso, sovrastato da un coro ricco di pathos e diretto dalle livide intonazioni della voce di Ragne Wahlquist, chitarrista del quartetto. Si narra che gli Heavy Load disponessero anche di uno spettacolare apparato scenico, ma decisamente i tempi non erano ancora maturi per conquiste più ambiziose.

Tratta dall’Album: “Metal On Metal” (Attic 1982)

Con una sequenza di LP dai titoli iconici nella prima metà degli ’80 (“Hard’n’Heavy”, “Metal On Metal” e “Forged In Fire”) i canadesi Anvil sembravano destinati a dominare il decennio metallico, con l’approvazione dell’influente stampa britannica. Personalmente ne rimasi colpito, e le mie recensioni su Rockerilla dell’epoca restano a testimonianza; forse inconsapevolmente, adottai per primo il termine Hard’n’Heavy come titolo della rubrica, che a mio avviso ben rappresentava il passaggio di consegne dall’hard rock all’heavy metal, in corso fra la fine di un’era (i Seventies), ed il nuovo che avanzava.

Il quartetto nasceva a Toronto nel 1978 ed inizialmente si faceva chiamare Lips, nome d’arte del chitarrista e vocalist Steve Kudlow. Si ribattezzavano più opportunamente Anvil (Incudine) con l’intento di forgiare il suono più duro in circolazione, dichiarato da proclami bellicosi come quello del batterista Robb Reiner: “Nulla di più soffice dei Motörhead può averci influenzato!”
Scritturati dalla Attic, etichetta storica del rock duro canadese, gli Anvil produssero la loro massima eruzione di lava siderurgica con il secondo “Metal On Metal”, album del mese (giugno 1982) su Rockerilla. La leggenda narra di amplificatori distrutti, sacrificati alla miglior resa del suono, durante le sessioni di registrazione presiedute da Chris Tsangarides, noto per recenti exploit nel circuito NWOBHM, con Tygers Of Pan Tang e Girl.
Probabilmente il brano più devastante è l’inno ad una divinità pagana che semina morte e distruzione, “Mothra”, sintomatico dei vertici di aggressività di certo heavy metal che di lì a poco si sarebbe radicalizzato in thrash (non è un mistero che i Big Four di quel genere siano stati influenzati dagli Anvil!). I riffs si accavallano impietosamente in un crescendo travolgente, costituendo un autentico bolide sonico, insuperato in quell’anno solare.
Dopo decenni di strenua militanza nel rock ad altissima energia, il gruppo ha meritato un decisivo rilancio nel 2008, grazie al film autobiografico di imprevisto successo, “Anvil! The Story Of Anvil”.

Tratta dall’album: “Coney Hatch” (Mercury 1982)

A loro volta generati dalla prolifica scena di Toronto (Canada), ed emersi all’inizio degli ’80, Coney Hatch erano invece potenziali eredi della tradizione hard rock dei Seventies con sapiente infusione di melodia (April Wine, BTO, Streetheart, Teaze!); si trovarono nella scomoda posizione di anticipare di qualche tempo il dorato ritorno di quel genere, mentre i loro contemporanei – gli stessi Anvil – ostentavano un’identità musicale più aggressiva e metallica.

Nel 1983 fecero lungamente da supporto agli Iron Maiden nel World Piece Tour; nonostante l’imponente esposizione e l’ottimo rapporto instaurato con i campioni della NWOBHM, non si trattava del palcoscenico più adatto per Coney Hatch, che fallirono il salto di qualità commerciale.
Certamente a livello di musica avrebbero meritato ben altro. Un anno prima, l’omonimo album d’esordio era stato accolto con entusiasmo dalla stampa specializzata, ed il loro mentore era un’autorità del Canuck rock, Kim Mitchell dei Max Webster, che si incaricò della produzione. Il singolo “Hey Operator”, scritto dal leader Carl Dixon (voce e chitarra), rimane fra i più riconoscibili degli anni ’80 per l’indimenticabile linea melodica punteggiata dal piano. Sono convinto che i Foreigner l’avrebbero accolto con gaudium magnum nel loro repertorio.
Invece lo fece suo un altro “supremo” dell’AOR, Aldo Nova, che ne realizzò due anni dopo una versione dal sound tecnologico sul secondo album “Subject”. Così i Coney Hatch dovettero difendere la “proprietà” della canzone, ripresa da un artista più popolare. Sciolti dopo tre album, il bassista e cantante Andy Curran ha ottenuto buoni riconoscimenti come solista mentre Dixon, dopo esser andato in coma per un grave incidente automobilistico, ha ripristinato la sua creatura con l’album “Four” del 2013.

Tratta dall’Album: “White Sister” (EMI America 1984)

Costituiti nel 1980 a Burbank, contea di Los Angeles, i White Sister sono stati grandi epigoni dell’hard rock pomposo degli anni ’70, che oltre alle celebrità Styx e Kansas, godeva di vasta diffusione dagli U.S.A. al Canada, con esponenti di spicco fra i quali Trillion, Zon, Alpha Centauri, Starcastle, Rose, Avalon e naturalmente i primi, torreggianti Angel. Proprio l’incomparabile tastierista Gregg Giuffria decise di valorizzare i talenti dei White Sister, producendo il loro primo, eponimo album ed assumendosi l’onere dei sofisticati arrangiamenti; non pago, vi suonava in due brani.

Ed i legami con gli Angel non finivano qui, perché nel disco appare un inedito scritto da Punky Meadows con Frederiksen/Phillips, “Whips”, nel fallito tentativo di rilanciare una nuova line-up degli Angel nell’81. Manco a dirlo, si trattava di una risposta alla sarcastica (e di cattivo gusto) “Punky’s Whips” di Zappa. Da segnalare anche il contributo compositivo di David Einsley, allora cantante dei Giuffria, in “One More Night”. Fra i gioielli dell’opera, spicca “Walk Away”, solo omonima del pezzo dei Legs Diamond, ma che regge valorosamente il confronto, con maggior impeto. Infatti White Sister si distinguevano da più melliflue formazioni AOR/pomp per gli incisivi fraseggi della chitarra di Rick Chadock, mentre il bassista Dennis Churchill si alternava alle parti vocali con il tastierista Garri Brandon. In “Walk Away” è Brandon a tradurle in un chorus celestiale, con il contrappunto del pianoforte dello stesso Giuffria e di sonorità estetizzanti. L’assolo di Chadock, virtuosistico ma altrettanto espressivo, suggella un bellissimo brano. Purtroppo White Sister non si impone, il secondo e brillante “Fashion By Passion” viene “declassato” all’indie FM Records, ed il gruppo compie la metamorfosi verso l’hard rock meno caratteristico dei Tattoo Rodeo. Sia il batterista Richard Wright, sia Chadock, ci hanno lasciato negli anni 2000.

Tratta dall’Album: “And The Cannons Of Destruction Have Begun” (Metal Blade 1984)

Una delle più epiche formazioni tramandate dalla leggenda dell’heavy metal, i Warlord erano emersi dalle tenebre nel 1983 con un autentico sortilegio musicale, il mini-LP per la Metal Blade “Deliver Us”. Allora non mi sarei azzardato a scriverlo, ma conoscete la famosa canzone “Alla Fiera dell’Est” del nostro menestrello Angelo Branduardi? Ammantate di accenti dark le strofe dai simbolismi biblici, appesantite il suono con potenti fendenti hard’n’heavy ed otterrete la geniale commistione folk-metal dal titolo emblematico, “Deliver Us From Evil”, antesignano di qualsiasi durezza espressiva ispirata a tradizionali arie medievali.

Ma voglio andar oltre nel porgere il mio tributo al gruppo di Hollywood guidato dall’ispirato “Destroyer”, il chitarrista Bill Tsamis, inventore di tutte le loro musiche, e dal “Figlio del Tuono”, il batterista Mark Zonder, poi rinomato nei Fates Warning.
Nel primo album completo, “And The Cannons Of Destruction Have Begun”, propagandato come colonna sonora di un video “live” in studio, riappaiono prevalentemente tracce già note, registrate per l’occasione con i nuovi membri, il cantante Damien King II ed il bassista Archangel, ma soprattutto un eccezionale inedito, “Soliloquy”; un inno al malessere esistenziale vissuto in solitudine, realizzato con la maestosa orchestrazione delle tastiere di Diane “Sentinel” Kornarens, che conferiscono una straordinaria enfasi di cupo romanticismo.
Peccato davvero che colpevolmente ignorati nel loro ruolo di maestri dell’epica metallica, i Warlord si siano presto estinti, nonostante future riunioni celebrative. Ormai non avrebbero più senso; a posteriori rendiamo onore all’eroe di origine greca (come i miti dell’Iliade) William J. “Bill” Tsamis, scomparso nel maggio 2021, a 60 anni.

Tratta dall’Album: “In The Beginning…” (Atlantic 1985)

All’inizio degli anni ’80, si cominciò a parlare di “Nuova Onda” dell’American Metal (modificando l’etichetta NWOBHM, creata da Geoff Barton per le nuove leve inglesi), quando uscirono le due storiche compilation “U.S. Metal” (1981, Shrapnel) e “Metal Massacre” (1982, Metal Blade).
Soprattutto la seconda metteva in luce le future stelle Metallica e Ratt, ma gli unici a presentare addirittura due brani erano i Malice. Questi ultimi procrastinarono a lungo l’esordio discografico a 33 giri, puntando esclusivamente su un contratto major. Le origini del gruppo risalivano al 1978; nell’Oregon strinsero patto d’alleanza i due chitarristi e fondatori Jay Reynolds e Mick Zane, ma l’atto di nascita ufficiale è datato 1 ottobre 1982, quando si riunivano i cinque musicisti che figurano su “Metal Massacre”, tutti provenienti da città e stati differenti, migrati a Los Angeles.

Finalmente è l’Atlantic a scritturarli, ed il primo album “In The Beginning…” è frutto di una commistione fra un’apprezzata demo prodotta da Michael Wagener e registrazioni ex novo con il produttore Ashley Howe.
Il compromesso funziona assai bene, e con l’abituale retorica paragonai il suono dei Malice alle deflagrazioni del vulcano indonesiano Krakatoa, che a fine ‘800 provocarono il rumore più violento che la storia ricordi, oltre ad inenarrabili catastrofi… Un’esagerazione naturalmente, per rendere l’idea di volumi a picco ed una voce supersonica, come si può immaginare ascoltando “Stellar Masters”; pur rasentando il plagio, questo brano memorabile trasforma i Malice nei più credibili, potenziali successori dei Judas Priest.
La voce del cantante texano James Neal emula le tonalità sferzanti ed acuminate di Rob Halford, le chitarre decollano alla maniera dei “gemelli” Downing/Tipton in “British Steel”, sorretti da ritmi debitamente tellurici. Un classico di puro metal al di là di qualsiasi sotto-genere.
Lo stesso quintetto replicherà nell’87 con il bombardiere “License To Kill”, prima che le strutture d’acciaio tendano ad incrinarsi, disgregandone la coesione. Nel 2012 il reunion-album “New Breed Of Godz”, funestato quattro anni dopo dal decesso di Mick Zane.

Tratta dall’Album: “Made In Heaven” (Target 1985)

Dichiarati “Rubacuori dell’Hard Rock” per il loro ascendente sull’estasiato e folto pubblico femminile – fattore piuttosto diffuso nell’epoca dell’hair metal – i Jag Wire si distinguevano però dalle formule di routine per capacità di raggiungere vette inaccessibili di pomp superiore nell’unico album “Made In Heaven”, capace di soddisfare i palati musicali più esigenti, come sentenziavano contemporanee cronache di Sounds e Kerrang!

Jag Wire nascevano a Los Angeles dalle rovine dei Sin, formati dall’ex bassista degli Steeler di Ron Keel e Malmsteen, Rick Foxx, e autori di un picture disc sagomato, “On The Run/Captured In Time” (1984). Foxx entrò in rotta di collisione con il resto del gruppo che si orientava verso un suono particolarmente “inquinato” dalle tastiere di Vince Gilbert, in grado di suscitare il paragone con Gregg Giuffria non solo per la fluente criniera, ma per le probanti doti di tastierista che reclamava prepotentemente il suo spazio. Il ruolo vacante di bassista era assegnato a Joey Cristofanilli, corresponsabile di un classico dei Ratt, “Wanted Man”.
Personalmente li avevo eletti ideali rappresentanti di una nuova “Corporazione Musicale Paradisiaca”, sulla scia dell’album pubblicato dalla Target, in quel tempo etichetta dei Legs Diamond. Soprattutto la title-track era un’autentica magnificenza, che descrissi come una rapsodia bohémienne suonata dagli Angel in una notte all’opera. Introdotta dal pianoforte di Gilbert, irrobustita dall’organo e dal crescendo della chitarra di Howard Drossin, con la voce espressiva di Art Deresh accompagnata dai cori, conserva tutt’oggi ogni stilla del suo fascino, e forse non è un caso che proprio quest’anno sia uscito un remaster CD ampliato con il singolo dei Sin e vari inediti, “Made In Heaven…Not Dead Yet” (FnA Records, disponibili copie autografate).

Tratta dall’Album: “Shattered Hearts” (Chameleon 1987)

L’hair metal non si distingueva solo per capigliature ed abbigliamento fin troppo vistosi rispetto ai canoni hard’n’heavy, ma funzionali a MTV ed al mercato americano, almeno fino alla rivoluzione grunge, che ristabiliva un realismo rock più dimesso ed apparentemente antagonista allo star-system. Infatti rattrista che con il crollo dell’hard melodico, siano affondate anche formazioni che disponevano di intriganti qualità nella composizione dei brani.

Originati dal cantante Jesse Damon addirittura nei ’70, Silent Rage non hanno mai avvicinato i picchi di popolarità di Quiet Riot, Warrant e Cinderella, ma il video-clip di “Rebel With A Cause”, rilanciata sul secondo album, si era ritagliato uno spazio in rotazione su “Headbanger’s Ball”, il programma di MTV determinante per la divulgazione del loro genere di musica.
Per i conoscitori, il principale motivo d’attrazione del quartetto di L.A. era la produzione di Paul Sabu, autentico vate del rock melodico (come solista nel classico “Heartbreak” e con gli Only Child), che occupandosi del debut-album “Shattered Hearts”, vi aveva inoculato l’embrione della sua personalità di compositore, collaborando alla stesura di tre brani. Fra questi non figura la title-track, una sognante ballata nello stile romantico perseguito da numerosi heavies californiani, che si distingue per vellutata eccellenza, inevitabilmente con un inebriante andamento melodico, sottolineato da contagiose armonie vocali. Le virtù dell’opera prima convinsero Gene, il demone dei Kiss, a scritturarli per la sua etichetta Simmons Records, che non è passata alla storia per portar fortuna ai suoi protetti. Il secondo album “Don’t Touch Me There” prometteva un lusinghiero successo, ma dopo la rottura dei rapporti fra Simmons e la RCA, Silent Rage finirono ibernati fino al generale disgelo nel Terzo Millennio, che li riscopriva Still Alive.

Tratta dall’Album: “New Frontier” (Mika/Polydor 1988)

Il “solitario” dei New Frontier non era un album da cinque stelle, ma sicuramente l’attraente illustrazione di copertina faceva intuire il contenuto, rock melodico di pregevole fattura…Un chitarrista vi appariva disteso sul balcone con gli stivali da cowboy puntati verso l’orizzonte metropolitano, costellato dalle luci della notte.

Poteva essere la rappresentazione di Monty Byrom, il front-man che già aveva guidato una formazione da culto del rock virato verso le FM, ma con reminiscenze blues “sudiste”, Billy Satellite; ebbero anche il merito di regalare al compianto Eddie Money (scomparso nel 2019), una romantica hit, “I Wanna Go Back”.
Qualche anno dopo Monty ci riprovava a San Francisco con il quartetto New Frontier, che nelle sue file annoverava un reduce dei Gamma di Ronnie Montrose, il bassista Glen Letsch, ed era prodotto dallo stimabile Richie Zito; questi aveva rilanciato i Cheap Trick e fra l’altro, lo ritroveremo in sala di regia con gli alteri Bad English. Se il debutto dei New Frontier non eguaglia certamente quello del supergruppo di John Waite e degli ex Journey, il brano d’apertura “Under Fire” è un classico AOR a 24 carati, assolutamente irrinunciabile per gli esteti del suono che inneggiano ad opere leggendarie come “In For The Count” dei Balance ed “Everybody’s Crazy” di Michael Bolton; una superba linea melodica dal ritmo cadenzato è annunciata dal tocco raffinato delle tastiere di David Neuhauser, assolutamente essenziali in questo contesto, e la canzone è accompagnata da un video tipicamente anni ’80, dove Monty, nella parte dell’irsuto rocker sentimentale, conquista i favori di una bellezza di famiglia ricca, che forse attratta dalla vita on the road, fugge con lui dal suo mondo dorato, in sella ad una rombante motocicletta…

Tratta dall’Album: “Things You’ve Never Done Before” (Virgin 1988)

Dovevano essere la nuova sensazione glam-metal, proveniente non dalla “capitale” Los Angeles ma da Tampa, in Florida, e si erano rivelati con un album su cassetta, “Love ‘Em And Leave ‘Em”, inaspettatamente prodotto dal ruvido Carl Canedy dei Rods. Si presentavano con un’immagine ostentata nella tradizione di Mötley Crüe, Poison, Pretty Boy Floyd ed affini, ma il suono rivelava una peculiare natura selvatica e randagia, rispettata dal celebre produttore Beau Hill (Ratt, Winger, Warrant) all’atto dell’esordio major su Virgin America, “Things You’ve Never Done Before”.

Hill non insistette nel lucidare la lama del suono, lasciando spazio a fendenti di chitarre sporche e basso gutturale, complementi adeguati alla voce graffiante di Kevin Steele. Che non si trattasse di musicisti finiti per posa nelle cronache del metal commerciale lo svelava la tragica fine del chitarrista originario Eric Caroll, annegato in circostanze misteriose, presumibilmente vittima di omicidio. A partire da “Scratch My Back”, il singolo che aggrediva con un esplosivo mix di AC/DC e Mötley Crüe, la Roxx Gang aveva l’autorevolezza rock’n’roll per imporsi agli albori della nuova generazione sleaze di Guns N’ Roses, L.A. Guns e Faster Pussycat, ed in particolare, mi piace la macabra vena della ballata “Red Rose”; in apertura, il rullare dei tamburi e la cadenza mortifera della chitarra lasciano presagire un’atmosfera spaghetti-western, poi il canto sofferto di Kevin Steele esprime l’“ultimo desiderio” di un moribondo che sente avvicinarsi la fine, ed implora la sua ragazza di “posare una rosa rossa sulla sua tomba”. Ascoltatela e vi accorgerete che il funereo refrain “Sha Na Na Na, Put A Red Rose On My Grave” vi risuonerà nei timpani ed inconsciamente finirete per ripeterlo ad oltranza. Grande canzone. Peccato che la bomba glam si disinnescherà troppo presto, nonostante quest’album classico nel suo genere, ed anche la Roxx Gang si avvierà verso un rapido declino sotto l’incalzare delle nuove tendenze alternative.