Balletto di Bronzo: Riedito “YS”, punta di diamante del Prog italiano

Novembre 1987: nel primo anno della rivista Metal Shock, era caccia aperta alle novità discografiche e alla “nuova sensazione” rock, mentre i dischi del passato sembravano destinati ad un interesse alquanto marginale.
In tempi dunque non sospetti, in apertura della puntata di Shock Relics del n.10, ostinatamente dedicata a stagionati album per conoscitori, presentavo il Balletto di Bronzo con una provocazione: “anche gli italiani meritano la Rock & Roll Hall Of Fame”. Poco importava dell’ambita quanto discussa istituzione americana che premia i campioni storici del rock: impensabile la candidatura del quartetto di Napoli, comunque leggendario. Si trattava invece di porre l’accento sulla prima escursione di quella rubrica nel nostro scenario musicale d’inizio anni ’70. Non certo per malcelati intenti patriottici, ho sempre considerato un autentico classico il secondo album del Balletto di Bronzo, “YS”, pregno dell’esoterico spirito underground che dall’Inghilterra si era propagato nel Vecchio Continente, originando fioriture al di fuori di ogni schema, in quell’epoca favolosa.
La qualità artistica supera il test del tempo, ed il 27 novembre 2020, circa trentatré anni dopo l’uscita di quella rivista, la Universal inaugura una serie di preziose ristampe in vinile, Prog Rock Italia, proprio con l’opus magnum del Balletto di Bronzo.
Torniamo ai primi fuochi del progressive italiano; è opinione diffusa che abbia rappresentato la stagione più feconda del rock “tricolore”. Oserei dire che mai come allora i musicisti più creativi della nostra scena si avvicinarono alle nuove tendenze d’Oltremanica non solo per spirito emulativo, ma con proposte originali, tuttora avvincenti.
Ancor prima, la nostra scena beat negli anni ’60 aveva fatto la sua parte; complessi come Equipe 84, Camaleonti, Dik-Dik, Quelli, Corvi, Giganti, Ribelli, ed i famosi “poli opposti” Nomadi e Pooh, prendevano d’assalto la classifica di Hit Parade, in competizione con gli inglesi (Rokes, Sorrows, Motowns, Primitives etc.) emigrati in cerca di fortuna nell’Eldorado nostrana. Il materiale esibito era prevalentemente costituito da cover – pur ben riuscite – di successi angloamericani, con testi talora stravolti dai parolieri per risultare più orecchiabili, con qualche eccezione di canzoni originali, come nel caso dei coraggiosi New Trolls, oppure composte dalla coppia d’oro Mogol-Battisti.

Il salto di qualità sarebbe avvenuto proprio con l’indipendenza creativa dei nuovi gruppi del “pop romantico”, non più subordinati a talenti (o nel peggiore dei casi, mestieranti) altrui e quindi in grado di indirizzare i propri orizzonti espressivi. Anche i nostri artisti prog avevano vissuto il periodo di trapasso dal “dopo” beat ai crescenti slanci verso le contaminazioni stilistiche, nell’Anno Domini 1970.
Le Orme, eredi nazional-popolari del retaggio flower power psichedelico con l’LP “Ad Gloriam” del ’69, mutavano in formazione triangolare orfana delle chitarre, virando verso il nuovo modello egemone degli ELP. Confezionavano così il primo, eccellente compromesso fra prog dominato dalle tastiere e melodie mediterranee, nell’album “Collage” del 1971. Dopo di loro, era la volta di gruppi prediletti dalla critica come Premiata Forneria Marconi e Banco Del Mutuo Soccorso. La PFM nasceva da un’evoluzione dei Quelli, luminari del pop milanese anni ’60, in cui aveva militato il giovane Teo Teocoli (!), mentre i romani del Banco avevano pur iniziato con proposte di musica leggera, scongiurate in vista del famoso album d’esordio del 1972, con copertina a forma di salvadanaio. Anche il primo PFM, “Storia Di Un Minuto”, usciva nello stesso anno, ed entrambi riflettevano un peculiare gusto della canzone, arricchito dagli spunti innovativi del rock britannico e naturalmente, tastiere in grande evidenza. Non a caso, PFM e BMS verranno scritturati dall’etichetta Manticore di proprietà degli Emerson Lake & Palmer, riformulando il loro repertorio con versioni in lingua inglese. La “Premiata” diventerà così il maggior fenomeno d’esportazione del rock italiano. Anche gli Area, gruppo-pilota di rivoluzionarie istanze sociali & musicali, affondavano le loro radici nel beat italiano degli anni ’60. L’inimitabile voce di Demetrio Stratos aveva infatti caratterizzato uno dei più classici singoli dell’epoca, “Pugni Chiusi/La Follia” dei Ribelli.

Il 1972 resterà un anno cruciale per le sorti del nuovo rock che invadeva la Penisola, non solo per il debutto di PFM e Banco, ma anche per la svolta progressiva del Balletto di Bronzo di “YS”, a mio avviso l’album da culto per eccellenza dell’intero panorama.
La genesi del gruppo napoletano risale ai Battitori Selvaggi, già attivi negli anni ’60, dai quali scaturiva il nucleo originale costituito da Marco Cecioni (voce e chitarra), Gianchi Stinga (batteria), Michele Cupaiolo (basso) ed infine Lino Ajello (chitarra); sceglievano di ribattezzarsi Balletto di Bronzo in omaggio ad un quadro che raffigura eliche navali della Seconda Guerra Mondiale, esposto alla Tate Gallery (nella foto). In verità, nel museo londinese potevano trovare miglior fonte d’ispirazione per il clima gotico del futuro “YS”, a partire dai capolavori dei pittori Preraffaelliti, Millais e Waterhouse! L’album d’esordio “Sirio 2222” (RCA) è già un rimarchevole classico, ma di tutt’altra natura. Si tratta forse del primo album hard rock realizzato in Italia, nello stesso 1970 che ha assistito all’esordio dei maestri inglesi Black Sabbath, Deep Purple e Uriah Heep. “Sirio 2222” non risente affatto di quelle esperienze contemporanee, avendo radici che affondano nel pop psichedelico, filtrato attraverso la tradizione melodica del beat italiano. Semmai sul sipario del Balletto sembra stagliarsi l’immane ombra dello Zeppelin, decollato con qualche tempo d’anticipo rispetto al boom del rock duro… Il dirompente singolo apripista del ’69, “Neve Calda”, con maggior fortuna avrebbe potuto replicare il successo di “Questo Folle Sentimento”, hit della Formula 3 nello stesso anno. Si distinguono dal contesto generale il brano che dà il titolo all’LP, “Missione Sirio 2222”, stupefacente archetipo space-rock, e “Meditazione”, l’unico tentativo proto-progressive, con melodioso arrangiamento a base di archi e spinetta, preludio della ricchezza strumentale del successivo, imponente, “YS”.
Il quadro cambia sostanzialmente verso la fine del ’71, con l’ingresso di Gianni Leone (tastiere e voce), già nei Città Frontale, nucleo originario degli Osanna, il più famoso gruppo partenopeo. Lui ed il bassista Vito Manzari sostituivano rispettivamente Cecioni e Cupaiolo, scontenti della nuova direzione musicale. Infatti, Leone è il re del castello adornato dai tasti d’avorio, che si erge sul maestoso afflato sinfonico di un capolavoro ricco di pathos come “YS”; il nome del secondo LP è tratto dal mito medievale di una sorta di ”Atlantide” bretone, inabissata nelle acque del golfo per volere perfido del Demonio.
In un clima angoscioso e drammatico, il concept di “YS” racconta invece il viaggio senza speranza dell’ultimo uomo sopravvissuto sulla Terra, che vaga alla ricerca dei suoi simili per tramandare la “verità” sussurrata da una voce soprannaturale; ma un Fato malevolo si accanisce su di lui, straziandone i sensi fino alla sua morte.

La musica è analogamente gravida di tenebrose rimembranze, compete con le sinistre atmosfere di gruppi inglesi di cui ci siamo ampiamente occupati (gli Atomic Rooster di “Death Walks…”, i Black Widow di “Sacrifice”, i Dr.Z di “Three Parts Of My Soul”, i Quatermass, gli Uriah Heep di “Very ‘Eavy…”) ed aggiungerei Bram Stoker (la band, non lo scrittore!).
L’ho sempre definita dark-progressive, ma con una destrezza strumentale ben superiore alla media. Si colgono squarci di virtuosismo Emersoniano nella sfavillante tecnica di Gianni Leone, aggressivo ma raffinato stregone delle tastiere che citava ispirazioni classiche e dodecafoniche, da Debussy a Schönberg. Suo contraltare era il chitarrista Lino Ajello, il volto hard del gruppo; furoreggiava in assoli lunghi e tormentati, ma perfettamente funzionali al contesto. Manzari e Stinga completavano l’opera sostenendo tempi ritmici assai complessi ed altrettanto dinamici: protagonisti, non comprimari. Motivati dall’ansiosa ricerca di novità, caratteristica di quegli anni, i quattro del Balletto di Bronzo avevano elaborato un genere di musica in apparenza disarmonica, imperniata sui tempi 7/4, 5/4, 3/4, anziché sul tipico 4/4, senza mai risultare astrusi e tanto meno tediosi.
Attribuita a tale Nora Mazzocchi, la composizione dei brani è in realtà frutto della creatività di Leone, che non poteva firmarli poiché non registrato alla SIAE.
L’album, uscito nell’estate 1972 su Polydor, è articolato in cinque movimenti, o meglio, un’introduzione, tre “incontri” ed un epilogo; una sorta di itinerario dantesco dal lirismo ermetico ed ottenebrato da profezie esoteriche, dove il comune denominatore è la raggelante inquietudine nella trasposizione dei testi sulla musica.
Il tastierista indica subito la via da seguire: dopo un prologo pastorale, i barocchismi dell’Hammond e le fughe del Moog alimentano “Introduzione”, con accenti di ELP e Quatermass rivisitati in chiave gotica, mentre la solista di Ajello riprende la leadership negli insistenti fraseggi centrali, che cavalcano una ritmica vorticosa. Il finale è sferzato dalle gelide folate del mellotron, che rendono magnificamente “la poesia di un giorno di vento” evocata dalle liriche.
Versi sepolcrali aleggiano sulle tetre cadenze del “Primo Incontro”, fra l’angoscioso riverbero della chitarra distorta e le lugubri sonorità dell’organo: “…Un uomo è là con la faccia all’ingiù – e già l’edera abbraccia il suo corpo – nero è tutto il sangue che ha – su ferite di orecchie strappate…”. E’ forse il momento più dark in assoluto, accentuato dal convulso terminale in stile “Sacrifice”, che si sgretola negli accordi infusi di romanticismo della spinetta. Cori da brivido, arazzi di mellotron Crimsoniano, improvvisazioni ispirate e di grande forza figurativa, atmosfere paranoiche, si alternano sapientemente nel comporre la versatilità policroma della prima facciata, ma il seguito non è da meno.

In “Secondo Incontro”, la voce urlante di Gianni ricorda un grande caduto dell’italico rock, Nico Di Palo dei New Trolls, poi fra le tante sfaccettature si rintracciano influssi di Van Der Graaf, nonostante la differente strumentazione.
Inoltre, una sorprendente osmosi di dark anni ’70 e avant-garde suggella il “Terzo Incontro” ed “Epilogo”. Il clima è da colonna sonora horror, il pezzo forte è un tempo cadenzato e sospeso, che suggerisce un allucinante cammino guidato da una luce fioca, in qualche dannata e segreta oscurità…Sfocia in un riff ULTRA-DOOM che si ripete ossessivamente, pervaso da un calcolato effettismo, ed il fluire lontano e svincolato del piano jazzy, incrementa la perniciosa atmosfera. L’orrore degli abitanti di YS, inghiottiti nella marea del Maelstrom, non poteva esser meglio rappresentata.
Da segnalare il contributo agli spettrali cori di “YS” di Giuni Russo (allora 21enne) cantante di rinomata estensione vocale, che dieci anni dopo sbancherà la classifica dei 45 giri con “Un’estate al mare”. Al disco ha collaborato anche Detto Mariano, arrangiatore di gran successo della musica leggera italiana, deceduto quest’anno, causa Covid-19.
Nonostante la spiccata personalità, “YS” non ottenne l’esposizione concessa ad altre proposte all’insegna del “pop romantico” dalla stessa RAI; l’aspetto poco rassicurante dei musicisti, lungo criniti con cinturoni borchiati, l’immagine androgina da glam-rocker di Gianni Leone, sono un passo avanti rispetto ai tempi, così decisero di registrare una versione inglese dell’album a Londra, assistiti da un tecnico degli Yes. L’album non fu mai completato e solo “Introduzione” e “Secondo Incontro” vedranno la luce su CD Mellow del ’92.
Nell’aprile 1973 Lino Ajello manifestava l’esigenza di tornare ad una vena più diretta, abbandonando il labirinto dei “concept” e dei messaggi decadenti; esplodevano le controversie in seno al gruppo che si sciolse in settembre. Un ultimo singolo è inciso dai soli Leone e Stinga (“La tua casa comoda”/”Donna Vittoria”).

Dunque la strofa finale di “Epilogo”, “…Ed il buio intorno a sé – poi fu dentro di lui – e buio fu” suona come l’epitaffio del Balletto di Bronzo, e così sarà a lungo, fino alla metà degli anni ’90. A quel punto Gianni Leone, che aveva tentato l’avventura solista negli U.S.A. a nome LeoNero, resuscita la vecchia sigla con due musicisti del gruppo romano Divae, esibendosi a livello internazionale. Ritroverà i compagni di un tempo, Ajello e Cecioni, nell’album “Cuma 2016 D.C.”, poi le due versioni del Balletto proseguiranno separatamente. Le diaboliche immagini di Gianni Leone “mascherato” in concerto nel 2019 (qui riprodotte), non lasciano certo indifferenti!

Il progressive tricolore ha da sempre raccolto un pubblico di appassionati all’estero ed in particolare in Giappone; a dimostrazione che l’album in vinile, ormai oggetto di edizioni curate e limitate è tornato in auge nel mercato discografico di qualità, ecco questa nuova serie della Universal, “Prog Rock Italia”; il Volume 1 che la inaugura è appunto “YS” del Balletto di Bronzo. L’album, rimasterizzato dai nastri analogici originali, presenta una doppia fascia “Obi” in stile nipponico su entrambe le facciate della copertina apribile, fedele all’artwork originale e quindi con il fascicolo di quattro facciate che include testi e disegni a commento. Sull’Obi strip sono riportate in sintesi note illustrative sul disco e sul gruppo.
Le tre versioni a 33 giri (non è previsto il formato CD) limitate e numerate, sono quelle delle immagini riprodotte:

• Vinile nero 180 gr. in 899 copie numerate

• Vinile giallo in 99 copie numerate

• Vinile Test Pressing in 30 copie numerate

le ristampe in vinile giallo e test pressing sono acquistabili, a prezzi oggettivamente contenuti solo sul sito:

https://www.universalmusic.it/custom-shop/prog-rock-italia/