NWOBHM: I Singoli che il Tempo (non) ha dimenticato – Prima Parte: 1978-1981

Si fa un gran parlare di Remix di album storici; ormai è quasi impossibile scovarne alcuni di successo pur remoto, che non siano stati riveduti e corretti per il rilancio sul mercato. Alle Idi di marzo ci siamo occupati di un illustre esempio, la capillare riedizione di Vol.4 dei Black Sabbath.
Lungi da me paragoni improponibili, ma mi è venuta un’idea: perché non riproporre qualcosa di scritto nel nostro passato, che a suo tempo ha riscosso l’approvazione dei lettori? Attento alle vostre reazioni, ed ai “numeri” realizzati dall’articolo sul versante doom della New Wave Of British Heavy Metal, sono tornato sul tema.
Risaliamo proprio al marzo 1987, circa trentaquattro anni fa! Usciva il numero due del supplemento di Rockerilla, Hard’n’Heavy (tre in totale: 0-1-2) ed era tempo di tirare le somme sulla NWOBHM, il movimento che aveva gettato le basi per le deflagrazioni metalliche degli anni ’80. Nel precedente H’n’H, l’amico Tiziano Bergonzi aveva ampiamente illustrato gli album fondamentali; allora mi impegnai a mia volta in quel grande “romanzo d’avventura”, prendendo in esame oltre 40 singoli da culto, che ben rappresentavano le crociate heavy del Regno Unito.

Perché i singoli? L’ascesa della NWOBHM è stata effettivamente innescata dalla riappropriazione del “formato ridotto”, come mezzo più immediato per spezzare l’indifferenza delle etichette importanti verso il rock duro. Dal 1976 in avanti, punk e new wave stavano cancellando l’heavy “storico” dalla mappa, monopolizzando l’attenzione dei mass media. Ma una nuova generazione di metallisti si è avvalsa delle stesse armi per risorgere verso posizioni quantitativamente mai così rilevanti. Dunque, recupero del 45 giri (o EP) come primo approccio preferenziale ed “economico” nei confronti del pubblico, proliferazione delle etichette e delle produzioni indipendenti, riconversione strutturale dell’heavy metal verso forme più dinamiche e senza compromessi. Insomma, incassati i colpi dell’offensiva punk, si era imparata la lezione anche per riavvicinare la gente e riprendersi il mercato.
Se consideriamo che numerose band, sfortunate quanto promettenti, hanno limitato al singolo la loro produzione, e che molti 7 pollici includevano versioni differenti (le prime, spesso) e tracce inedite, converrete che una panoramica estesa su questi reperti di vinile risultava d’obbligo per la chiarificazione del fenomeno e soprattutto, del suo spirito più UNDERGROUND. Nel recuperare il vecchio elaborato, ho ritenuto necessarie varie rettifiche ed aggiornamenti, ma senza tradire le emozioni originali suscitate dalla musica, riportate così com’erano descritte. Per non eccedere, era concessa la segnalazione di un solo singolo o EP per gruppo. Tutti i “fondamentali” riconosciuti all’epoca vi apparivano; in seguito i collezionisti hanno scoperto altre e quotate rarità, basti pensare a Marquis De Sade, Hell, Masterstroke.
Essendo già onerosa l’impaginazione e l’estensione sul Blog, ho ritenuto ragionevole dividere l’articolo in due parti; mi sono impegnato alla ricerca d’immagini d’archivio (anche personale) e mi auguro possano interessare, nonostante la lunghezza dell’intervento . A voi i 22 singoli della Prima Parte!

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Nelle immagini: Def Leppard, Saxon, il manifesto promozionale di “Metal For Muthas Vol. I”. Infine Paul Di Anno e lo scomparso Clive Burr, nelle foto scattate a Milano nel 1980, prima del concerto al Vigorelli degli Iron Maiden di supporto ai Kiss.

Iniziamo con questo autentico reperto archeologico di un gruppo cardine della NWOBHM: i Samson esordirono nella preistoria del movimento con un singolo tutt’altro che irresistibile, ma che resta probabilmente il primo documento “ufficiale” della rinascita dell’heavy metal britannico, se escludiamo i Motörhead. Infatti, Lemmy ed i suoi precedettero anche il punk nel ravvivare la fiamma del rock’n’roll brutalista, raccogliendo alla loro maniera l’eredità degli MC5! Quindi, rendiamo omaggio all’azione pionieristica dei Samson, che pure daranno il meglio negli LP “Head On” e “Shock Tactics”, decisamente più allineati alla rivoluzione metallica d’inizio anni ’80. All’epoca di “Telephone” erano un trio, naturalmente capitanato da Paul Samson (chitarra & voce), con il solito Chris Aylmer al basso e Clive Burr, che aveva preceduto l’incappucciato Thunderstick alla batteria, prima di trovar gloria nei Maiden. Nessuna traccia per ora di Bruce Bruce Dickinson, ancor più celebre “furto” operato dalla Vergine di Ferro ai danni dei Samson, nei confronti dei quali Steve Harris si sarà sentito un po’ debitore. Ultima curiosità il suono, più prossimo a Status Quo e ZZ Top che al repertorio successivo.
Disgraziatamente, nessuno dei tre musicisti che registrarono “Telephone” é  sopravvissuto fino ai giorni nostri. Ironia della sorte, il debut-album dei Samson si chiamava “Survivors”…

Certamente uno dei singoli capitali della NWOBHM!
I giovanissimi felini di Sheffield debuttavano con un EP autoprodotto su cui troneggiava l’epica “The Overture”, una pièce de résistance ricca di suggestioni: dai Golden Earring di “Yellow And Blue” (l’intro acustica) al Ted Nugent di “Hibernation”, dai primi e magici Rush (il clima favolistico) fino alle inflessioni vocali di Joe Elliott, che allora facevano pensare ad un Ozzy adolescente. Molto più aggressive, temprate dal fuoco sovversivo del rinascimento metallico, sono “Ride Into The Sun” e la classica, burrascosa “Getcha Rocks Off”.
Il 7 Inch sarà ristampato nel suo formato originale (copertina esclusa) dalla Vertigo, salvaguardando i preziosismi di un’”Overture” assai differente dalla versione inclusa nel primo LP “On Through The Night”, il solo stilisticamente affine alla reliquia in questione.
Poi Def Lep vireranno verso l’hard rock melodico in stile USA, centrando il bersaglio con il faraonico successo del terzo “Pyromania” ed incrementandolo con “Hysteria”. Fortunatamente, il grave incidente subito dal drummer Rick Allen si era risolto in un ostacolo drammatico, ma temporaneo. Ricordiamo invece Steve Clark, fra i tanti “caduti” sulle strade lastricate di metallo.

Chi avrebbe mai immaginato, nel fervore delle prime gigs al Ruskin Arms, che la rappresentazione londinese della Vergine di Norimberga (un antico strumento di tortura), avrebbe dominato il mondo dell’heavy metal negli anni ’80, rivestendo ad oltranza il ruolo di superstar? Steve Harris fondò la band alla fine del 1975; resistendo all’invito dei discografici di “tagliarsi i capelli e darsi al punk”, trasformò Iron Maiden nei campioni underground dei pochi locali che all’epoca davano spazio al rock duro.
Con Paul Di Anno alla voce, Dave Murray alla chitarra, Doug Sampson alle percussioni ed ovviamente Harris al basso, il gruppo registrava nel dicembre ’78 un demo di quattro brani che veniva lanciato dal dee jay di fede metallica Neal Kay al Soundhouse di Kingsbury Circle, le cui classifiche di gradimento venivano regolarmente pubblicate sul settimanale Sounds. “Prowler” balzava al primo posto e nell’autunno 1979 le stesse incisioni erano convertite in un EP autoprodotto, “The Soundhouse Tapes”, che include “Prowler”, “Iron Maiden” (poi rivisitate sull’album d’esordio) e “Invasion” (riapparsa sull’EP “Women in Uniform”); superfluo aggiungere come vi risieda tutta la carica ancestrale dei primitivi Iron Maiden, spronata dall’aspra e sovversiva voce di Paul Di Anno, che addirittura aveva fatto gridare al “crossover” punk-metal! Di lì a poco il contratto con la Emi ed il tour con i Judas Priest…Così “The Soundhouse Tapes” accentuerà negli anni il suo valore storico e da collezione.

Acclamata da molti come un classico, quest’opera dei giovani rampanti di Newcastle, senza repliche almeno nei gloriosi anni ’80, bastò per mandare in orbita la piccola etichetta Guardian, che vendette 15.000 copie dell’EP dei Mythra, prima di riscuotere consensi anche con Hellanbach e Hollow Ground.
Aizzato dal vocalist Vince High, il quintetto attivo dal ’75 rileggeva con buona dose di personalità la lezione dei Judas Priest e resta un modello della genuina foga giovanile della NWOBHM. Fra i più mitici dei nomi “minori”, Mythra apparivano degni concorrenti dei primi Def Leppard. Chi ha ascoltato “Death And Destiny” rammenta con rimpianto quell’aureo periodo del metal inglese; forse sarebbe stato meglio per loro sparire dietro questi solchi, consegnandosi intatti alla leggenda. Molti anni dopo, ci sarà invece spazio per una nostalgica rifondazione.

“Don’t Touch Me There” dei TOPT saluta l’esordio della Neat nell’area del nuovo heavy metal britannico, dopo un paio di singoli di rubbish music (me lo confessò il suo fondatore, David Wood), che nulla avevano da spartire con la produzione più rinomata dell’indie di Wallsend. I Tygers diventeranno una delle più popolari formazioni sulla scena, e l’EP sfonderà a dispetto di un’esposizione sonora molto dura ed istintiva, ma certamente inferiore rispetto a quanto la stessa line-up – con il ruvido vocalist Jeff Cox – saprà esprimere nell’album d’esordio “Wild Cat”.
Sostituendo Jess con Jon Deverill, ed aggiungendo l’astro nascente della chitarra elettrica, John Sykes, i Tygers Of Pan Tang si trasformavano in una formazione hard rock di stampo più classico, un’alternativa fresca, ma inevitabilmente minore, ai Whitesnake. Il chitarrista e leader Robb Weir non ha mai deposto le marmi, e le sue Tigri sono pronte a sfoderare gli artigli per aggredire i palcoscenici, appena la pandemia lo consentirà.

Generati dalle menti insane di Clive Jones e Clive Box, un tempo nei Black Widow dell’incomparabile “Sacrifice” (scandagliato a fondo su questo Blog!), gli Agony Bag sono gli autori di questo eccezionale “solitario”, non certo un archetipo di NWOBHM, ma che considero tuttora fra i più grandi singoli “cult” di sempre!
Allarmante fin da subito la copertina, che ritraeva reduci della Vedova Nera e loro accoliti oscenamente truccati, in una perversa iconografia completata da due donne seminude (le stesse del raro video) su un immaginario pavimento viscido di sangue! Certo la musica doveva essere parte integrante di una rappresentazione teatrale, com’era stato concepito il rituale di “Sacrifice” dagli originali esponenti del dark sound, ma virando verso oltraggiosi riferimenti sessuali, memori del Rocky Horror Picture Show.
E’ dunque estremizzato il fattore glamour dell’immagine, ma la tensione rimane, eccome, in quei riffs di chitarra che saettano febbrili e monocromatici, e nel maniacale refrain vocale di “Rabies Is A Killer”. Clive Jones, l’autore di “Come To The Sabbat” divenuto front-man, emula l’ululato di un licantropo, si compiace di una recitazione istrionica, a tratti folle ed isterica; la chitarra di Bruce Cluley apre orizzonti di arcana suggestione con un assolo fulminante per pathos, e riappare anche il mitico sax dello stesso Clive, che accentua l’incisività della trama sonora. Sul retro un altro fantastico trip, verso la “Never Never Land”…Ancora un clima visionario, distorto dalla pazzia, come le allucinazioni dei naufraghi così capillarmente illustrate da Edgar Allan Poe nei racconti di Gordon Pym.
Dopo questo incredibile singolo, pubblicato nell’80 dall’etichetta “fantasma” Monza e rilanciato anche dai Death SS, dovremo attendere il 2001 per ascoltare l’album dei disciolti Agony Bag, “Feelmazumba”, grazie alla Black Widow di Genova. Purtroppo, anche i due Clive hanno lasciato questo mondo (2014-2016).

Dark Star contesero ai Trespass il titolo di rivelazione del Vol.II dell’importante compilation “Metal For Muthas”, proprio con la prima facciata di questo brillante singolo: “Lady Of Mars” é offensiva di tempra Ironiana, ma l’omonimo album dirà in seguito che il gruppo di Birmingham (città di Black Sabbath e Judas Priest) possedeva un’apprezzabile varietà stilistica ed altrettante virtù compositive. Furono fra le rare forze fresche della NWOBHM a spingersi fino in Italia, suonando in tour con Alvin Lee. Ricordo che feci una pessima figura nel backstage del Rolling Stone di Milano, cercandoli per un’intervista: incontrai un personaggio che non riconobbi subito, essendo girato di spalle; quando si voltò, mi accorsi che avevo chiesto dove si trovasse una sconosciuta band inglese all’eroe di Woodstock…rimasi impietrito.

La storia dimostrerà, a partire dal terzo LP “The Plague”, che le sembianze orrorifiche degli esordi non erano propriamente veritiere, a dispetto di qualche copertina raccapricciante. Quando uscì questo primo singolo dei Demon (in vinile rosso…sangue) nessuno se ne accorse, perché “Liar” viveva di astiosa determinazione. Meno convincente il retro, “Wild Woman”. Buone cose ascolteremo sui primi due LP, “Night Of The Demon” ed “Unexpected Guest”, ma il prosieguo della carriera, non particolarmente svettante, confermerà che le tematiche macabre non erano la specialità del gruppo di Stoke-On-Trent. Perseverare é diabolico, dunque la formazione odierna continua a flirtare (si fa per dire, naturalmente) con un’iconografia demon-iaca.

Non dovrebbe rientrare strettamente nei ranghi della NWOBHM a causa dell’origine svedese, ma più di una prova induce a considerare il valore della E.F. Band in quest’ambito. Innanzitutto si distinse nella compilation manifesto “Metal For Muthas” (Vol.I), la stessa di Maiden, Angel Witch, Samson, con la pugnace “Fighting For Rock’n’Roll”. Poi sacrificò il suo batterista Dave Dufort, alla causa degli stessi Angel Witch.
Inoltre E.F. Band fu particolarmente attiva dal vivo, andando ripetutamente in tour nel Regno Unito.
Dopo un singolo in tono minore, “Sister Syne”, tornò in auge con questo dirompente “Devil’s Eye” (anticipando le asperità di epic-metal scandinavo degli Heavy Load), abbinato ad un apocalittico strumentale, “Comprende”, roba da incutere soggezione!

Apparsi sullo sfondo di una grigia cornice industriale, figli del proletariato urbano che da sempre rappresenta la stratificazione sociale alla base di tante heavy metal band inglesi, i Fist concentrarono tutta la loro acredine e ribellione nella sentenza rabbiosa di “Name, Rank & Serial Number” e nel dirompente dinamismo dell’eccellente retro “You’ll Never Get Me Up”. Non si ripeteranno più a tali livelli di intensità elettrica nei due album di quegli anni, ed è un fattore che costituisce l’attrattiva di numerosi singoli, di qualsiasi epoca e latitudine rock.
Non confondete questi Fist di South Shields, con gli omonimi canadesi, altrimenti noti come Myofist.

Furono loro gli originali lipstick killers, i primi, all’alba degli Ottanta, a mettere la potenza del metal non già a servizio di una voce altisonante, ma di un’espressione viziosa ed ambigua, coerentemente riflessa nell’immagine glam-rock.
Il singolo apripista dei Girl, “My Number”, aveva già messo in vetrina l’angelo “corrotto” Dave Lewis, una sorta di nuovo Michael Desbarres (epoca Silverhead, poi nei Detective); ma fu la versione del classico dei Kiss, “Do You Love Me”, dall’album “Destroyer”, ad accendere i riflettori sui pionieri sleaze della NWOBHM. L’epoca è però favorevole alla nuova virilità in denim & leather, e non basta il grande album “Sheer Greed”, a convincere le folle, nonostante l’efficace produzione di Chris Tsangarides.
Ebbero vita breve, conclusa dopo il secondo ed inferiore “Wasted Youth”; ritroveremo il chitarrista Phil Collen come parte attiva dell’esorbitante successo dei Def Leppard. Dopo l’esperienza con l’ex chitarrista di Gillan, Bernie Tormé, anche per Phil Lewis si concretizzava il “sogno americano”. Emigrato (ma non perso…) ad Hollywood, si imponeva sul fronte del palco con L.A. Guns, sodalizio tuttora efficiente.

Fra i provocatori della rinascita rock a tutto volume sono da annoverare questi mercanti del metallo nati ad Edinburgo nel 1977, che raccolsero favori anche in Italia, grazie alla notevole spinta di Rockerilla. “Heavy Metal Mania” era effettivamente un viscerale e rude inno perfettamente in sintonia con i tempi (“Dov’è il potere, dov’è la gloria, Heavy Metal è la mia storia…”) nel restituire quel clima d’isteria collettiva che circondava il nuovo furore del genere più bombastico del rock. Prima dello smembramento del nucleo originale, Holocaust troveranno anche il modo di divulgare un ottimo primo album, “The Nightcomers”, con ascendenti astrali nei Judas Priest e Black Sabbath…A celebrare gli scozzesi sono poi giunti addirittura i Metallica: hanno registrato una versione della loro “The Small Hours” per l’EP “Garage Days Re-Revisited” (1987), favorendo naturalmente il perdurante rilancio degli Holocaust negli anni a venire.

Sebbene ben pochi ricordino questo quartetto delle West Midlands, Jameson Raid furono fra i primissimi fautori della NWOBHM, e l’incisione del loro EP “Seven Days Of Splendour”, dalle reminiscenze glam-rock, risale a fine 1978. L’oggetto in questione, “End Of Part One”, che si presta a qualche equivoco terminologico (altrimenti noto come “The Hypnotist), é un secondo EP di quattro brani ed include anche “The Raid”, “Getting Hotter” e “Straight From The Butchers”. A suo tempo aveva destato notevoli mire collezionistiche, ma nonostante l’interesse del management dei Judas Priest, i Jameson Raid non approdarono ad alcun contratto discografico. Forse non aiutò la loro formula musicale, matura ma con uno spettro sonoro variabile, da tipiche affinità Iron Maiden all’heavy rock americano degli eroici Godz. Ribattezzati The Raid, parteciparono a “Metal For Muthas Vol.2”. Nient’altro da segnalare, se non che il Terzo Millennio ha vissuto anche la loro rifondazione.

Si può discutere sull’inserimento dei Magnum nel contesto NWOBHM (il nucleo embrionale risaliva al 1972), ma posso assicurarvi che il quintetto di Birmingham fu salutato come astro nascente in piena eruzione metal (1980), grazie alla reputazione conquistata nei concerti. Il primo album “Kingdom Of Madness” era solo di due anni addietro, ma grande interesse suscitò questo singolare doppio 7 pollici (a 33 giri!) dal vivo; gli fece seguito il rimarchevole LP “Marauder”, sempre nel 1980, anch’esso live e con copertina molto simile, ma i brani erano completamente differenti.
Magnum “Live”, registrato al Marquee di Londra nel dicembre 1979 e prodotto da Leo Lyons (dei Ten Years After) includeva quattro brani che culminavano nella roboante “Kingdom Of Madness”, originale mistura heavy di Styx e Queen, punto di partenza del pomp-rock supremo dei Magnum.
Un gruppo davvero grande ed insensibile al trascorrere degli anni, non famoso in Italia come meriterebbe. Adornati dalle splendide copertine di Rodney Matthews, album come “Chase The Dragon” e “On A Storyteller’s Night” risiedono tuttora fra i capolavori degli anni ’80 e dell’hard pomposo-mitologico, dal tocco british, dei Magnum. Ma gli inossidabili veterani Tony “The Hat” Clarkin e Bob Catley sono davvero maestosi anche negli ultimi tempi, basti ascoltarli da “Princess Alice…” a “Lost On The Road To Eternity”. Gaudium Magnum!

Presenti nella compilation del Friday Rock Show, “Metal Explosion”, Money sembravano destinati ad imporsi come persuasiva forza emergente. Nel loro omonimo EP dimostravano classe strumentale superiore alla media, riuscendo a spingersi oltre i nove minuti di “Another Case Of Suicide”, brano di probante eleganza stilistica, degno di rievocare i fantasmi dei primi Zeppelin e Rush nei cristallini arpeggi acustici. Da apprezzare anche il dinamismo degli intrecci armonici ed il piglio aggressivo di “Fast World”. Purtroppo, nella nuova era degli uragani metallici, il titolo dell’album “First Investment” (che aveva preceduto l’EP nel ’79) si era già rivelato illusorio, nonostante la produzione dell’onnipresente Chris Tsangarides e l’etichetta Gull, la stessa dei Judas Priest agli esordi. Anche il progetto di un secondo album è fallito, dopo  una manciata di concerti in apertura dei leggendari Pretty Things, nel 1981.

Con il loro cosiddetto athletic rock agitato da breaks folgoranti, urgenza ritmica e schizoide conduzione vocale, i Raven stilizzarono una formula inconfondibile che finì per diventare stressante, un po’ troppo giocata sui nervi scoperti, dopo il primo, accattivante LP “Rock Until You Drop”. La criticata svolta “americana” dei Gallagher brothers (John e Mark: no, non sono gli stessi degli Oasis) è stata dunque un tentativo, legittimo, di uscire dall’impasse di una formula giunta presto all’usura.
Invece i meccanismi erano perfettamente lubrificati al momento della pubblicazione di “Don’t Need Your Money”, debutto a 45 giri in cui è sintetizzata la vena ribelle ed emozionale, ritratto dell’inquietudine giovanile dei Raven. La carica scoppiettante di questo exploit non è certo da sottovalutare.

Singolo altamente istruttivo perché proprio loro, i durissimi Saxon di quegli anni – sedicenti “stalloni dell’autostrada” su ruote cingolate d’acciaio – mostravano l’uscita di sicurezza dall’inferno dei fuochi metallici: la melodia elettrica è sempre stata una componente essenziale dell’hard rock antidiluviano, e tornava ad esserlo grazie a questi condottieri dell’heavy metal proiettato negli anni ’80.
Com’é universalmente noto, trascorsi i pirotecnici fasti di “Wheels Of Steel” e “Strong Arm Of The Law”, i Saxon metteranno a frutto il loro innato gusto melodico per riemergere dal declino di quella stessa NWOBHM che avevano largamente contribuito a mandare in orbita. Tuttora acclamati come giganti della musica heavy, proprio in questo mese di marzo i Saxon si sono ripresentati con le undici cover dell’album esplicitamente intitolato “Inspirations”, un massiccio olocausto alla causa del rock classico che li ha influenzati.

Sledgehammer furono profeti dell’heavy metal psychedelia, figli ribelli, ancor più rumorosi, di Hawkwind, Pink Fairies, Deviants; il leader Mike Cooke coniava assoli da violenta astrazione cerebrale, come Fast Eddie di “Metropolis”, perché anche i Motörhead discendevano da quella stirpe. Provenienti da Slough, ebbero l’onore di veder selezionato l’omonimo brano del primo singolo (uscito in due successive edizioni) per la kermesse di “Metal For Muthas Vol.I”, il manifesto originario della NWOBHM. Anche il retro, “Feelgood”, è un’ottima testimonianza dell’ipnotica vertigine rock che il martello psyche-killer seppe scolpire nel cemento, con indubbia maestria. Anche per Sledgehammer giunse troppo tardi un solitario album (“Blood On Their Hands”, 1983) quando era ormai scemata la sensazione sortita da queste tracce.

Un leggendario quintetto di Manchester, che diede alle stampe quest’unico singolo: affiancati dal produttore Martin Hannett, mentore della new wave mancuniana di Joy Division e New Order, Tora Tora consumarono con feroce determinazione i pochi minuti della loro storia discografica, senza apparire particolarmente debitori verso i grandi del passato. L’assalto del furioso riff di “Red Sun Setting” rimane una scossa adrenalinica che si rinnova con effetti tramortenti ad ogni ascolto. Antesignani dell’incrocio metal-punk? La risposta é affermativa. Nei loro ranghi si rivelava un batterista di sicuro avvenire: dopo aver frequentato vari circoli NWOBHM, Simon Wright presterà i suoi servigi ad AC/DC, Dio, UFO, Operation:Mindcrime, fra gli altri!

Anche la gente irsuta della NWOBHM ebbe i suoi maestri del pomp-rock nei White Spirit (senza dimenticare Saracen, Grand Prix, Kooga, Nightwing etc.), barocchi ma poderosi, seriamente contagiati dal morbo Deep Purple. E’ soprattutto il retro di quest’opera prima, “Cheetah”, a scoprirne le affinità, mentre l’altrettanto bella facciata A riecheggia i Magnum, a tutt’oggi maestri assoluti del genere, unitamente a grandi aperture di rock pomposo americano, con un indizio Marillion-esco nell’assolo di synth. Degno di nota ma irrilevante a livello commerciale l’unico LP omonimo (MCA, 1980). Ricordiamo che il chitarrista Janick Gers si trasferì non a caso nel gruppo di “Mr.Universe” Ian Gillan, ma ancor più proficuamente, si insedierà dal 1990 in poi negli Iron Maiden.

Abbiamo già trattato gli Angel Witch in un precedente articolo (“Le mani del doom sulla NWOBHM”) che ha suscitato la vostra attenzione. Bando quindi alle premesse: “Loser” è fondamentale perché rappresentò il canto del cigno degli Angel Witch “belle époque”, la formazione che con l’omonimo album aveva risollevato le sorti del dark-metal e della fantasiosa associazione fra rock ed occulto. Dopo questo EP 7”, si spezzerà l’unione fra Kevin Heybourne, chitarra e voce, e la sezione ritmica costituita da Kevin Riddles (basso) e Dave Dufort (batteria), che andranno a fondare i Tytan.
Questa scissione decreterà lo smarrimento della sinistra e seminale ispirazione delle origini. A livello di singoli, probabilmente il trio aveva sottovalutato il potenziale di brani assai rappresentativi, specie “Baphomet” ed “Extermination Day”, preferendo soluzioni di maggior immediatezza come “Sweet Danger”, un po’ troppo Maideniana, e “Angel Witch”. L’album però era grande, rinfocolando l’attesa per il successivo passo discografico: “Loser”, un brano epico ma con la tipica vena angosciata-drammatica della potente triade. Sul retro anche “Dr. Phibes”, ispirato all’abominevole film horror con Vincent Price.

Autentici killers, propulsori di sordide atmosfere canicolari: post-Motörhead e proto thrash! Questi erano i “maestri impalatori” Crucifixion, che bruciarono tanta energia in questo primo 7 pollici, “The Fox”, da non riaccendere null’altro di memorabile. Cala infatti la tensione nel successivo 45 giri per la Neat, “Take It Or Leave It”, dove non si coglieva la stessa intensità ed il quartetto originario dell’Essex finiva per ripulire troppo il suono, senza l’attitudine adeguata. La storia è fatta anche da questi singoli che hanno vissuto attimi di gloria fra gli iniziati, ma nel caso dei Crucifixion, mancò il salto di qualità.

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Fine della Prima Parte, 1978-1981 (Seconda Parte: 1981-1983)