RIVIEWS, 1975-2025: Rock forever

Un breve commento per introdurre l’ormai periodica serie di Riviews.
Numerosi giudici, persino dal pulpito di Sanremo (nazional-popolare si, ma per la musica leggera), sentenziano che il “rock è morto”. In compenso proliferano tendenze di successo, dal rap al trap all’electro-pop, viziate da un’inconsistente cultura musicale ma ormai impossibili da arginare, ne prendiamo atto. Così come affermiamo che generi fuoriusciti dall’”emancipazione modernista” del rock negli anni 2000, non hanno granché da spartire con quegli stili musicali che abbiamo amato fino agli anni ’90, iniziando il loro triste declino in quel decennio. Metalcore, nu-metal, alt-rock, oppure tendenze estreme agitate dal growl, improbabili fusioni fra pop-rock-metal ed elettronica dove si faticano a distinguere le rispettive proposte, progressive che ormai di prog classico ha solo il nominativo, NON ci riguardano. Vantano già tonnellate di predicatori.
Siamo solo un blog di nicchia, quindi chiunque può tranquillamente fare spallucce, ma una cosa è certa: non inseguiamo l’ultima moda per compiacere chicchessia. Restiamo fedeli alle sonorità che amiamo, poco ci importa che siano vintage e che non costituiscano una priorità per chi cavalca il declino della civiltà occidentale con annesse espressioni più o meno artistiche. Quindi, in queste Riviews troverete solo novità che mantengono vivo, magari ammodernandolo, lo spirito del rock di una volta, oltre alle ristampe di un passato indimenticabile che molti, troppi, tendono a trascurare. Purtroppo non sono il soggetto da “poche righe” per accumulare più materiale discografico possibile, sappiatelo e accontentatevi. Thank You Very Much.

Il 1975 è stato l’anno di album senza tempo, universalmente incensati, come “Physical Graffiti” dei Led Zeppelin, “Wish You Were Here” dei Pink Floyd e “A Night At the Opera” dei Queen, tanto per citare un’imperitura triarchia. In ambito più strettamente hard’n’heavy, “Toys In The Attic” consacrò gli Aerosmith e Ritchie Blackmore si rilanciò con il primo Rainbow, ma il successivo “Rising” sarà di gran lunga superiore.
Da parte mia, ho sempre provato un’irresistibile attrattiva per i debut-album poiché assai giovane, nel 1970, fui conquistato dalle colossali opere prime di Black Sabbath e Emerson, Lake & Palmer. Quel gusto del “mai sentito” (allora non si producevano copie derivative in catena di montaggio) e dello scoprire inedite, avventurose identità musicali, mi ha sempre enormemente stimolato; questo retaggio si è radicato in me al punto che durante l’attività su carta stampata dagli anni ’80 in poi, quasi tutte le novità intriganti finivano sotto le mie grinfie!
Ecco perché, nella mia personalissima storia del rock, il 1975 è stato innanzitutto l’anno dell’apparizione degli ANGEL.
Contrariamente alla credenza popolare, gli Angel non sono nati per l’omologazione nella categoria “idoli per teenagers” e il loro nome (che sostituiva l’improbabile Sweet Mama From Heaven) si ispirava all’omonimo brano di Jimi Hendrix, tratto dall’LP postumo “Cry Of Love”. Il quintetto si era costituito a Washington DC nel 1974 e la leggenda tramanda che sia stato Gene Simmons a caldeggiarne l’ingaggio a Neil Bogart della Casablanca, dopo averli visti dal vivo in un club. Questa teoria è contestata dal loro esperto biografo, Dave Reynolds, in ogni caso si trattava di musicisti già collaudati: il chitarrista Edwin Lionel Meadows (soprannominato Punky fin da bambino, nessun rapporto con l’imminente “rivoluzione” musicale) aveva già registrato un album con la formazione psych-pop della stessa città, The Cherry People. Poi si era unito ai Bux di Boston (ex Daddy Warbucks): il loro unico LP fu pubblicato tardivamente nel ’76. Ne faceva parte anche il bassista Mickey Jones. Nell’arco temporale fra le due esperienze, Meadows aveva suonato a New Orleans con Gregg Giuffria, tastierista già attivo fra gli altri con David And The Giants. Il cantante di Boston, Frank Dimino, in azione dall’inizio dei ’70 con i Max, aveva raccolto nelle proprie file la sezione ritmica composta dallo stesso Jones e dal batterista Barry Brandt. Inizialmente Frank era riluttante a raccogliere l’invito dei “nuovi Angeli” ma quando Brandt (nel frattempo a W.D.C. nei Cherry People) si unì al gruppo, anche il cantante sciolse ogni riserva.

Presto scritturati dal management Toby, gli Angel dovettero emigrare a Los Angeles, quando furono affidati alle cure dei produttori inglesi Derek Lawrence (Deep Purple, Wishbone Ash) e Big Jim Sullivan, famoso chitarrista e session man. Il lavoro di produzione dell’album d’esordio fu prettamente “tecnico”, perché il repertorio e gli arrangiamenti erano già pronti. Anche per questo si tratta della collezione più spontanea e luminosa degli Angel, che nemmeno indossavano le discusse tenute da Nights In White Satin (cito i Moody Blues, non a caso) come celestiali antagonisti dei Kiss. Li potete ammirare nella loro naturalezza in rare foto (qui riprodotte), anche sulla copertina interna dell’eponimo LP. Assolutamente nulla di “prefabbricato” ad arte per il successo: superba materia musicale e spiccate qualità esecutive non erano affaire da principianti!
“Angel” uscì per la Casablanca nell’ottobre 1975. Non staremmo a cantarne le lodi per l’ennesima volta, se non fosse che la loro attuale etichetta, Deko, ha deciso di celebrarne il 50° anniversario con una ristampa speciale dell’opera che rappresenta il perfetto bilanciamento fra potenza del suono hard e slanci progressive estetizzanti di scuola britannica, in altri termini, il più grande album heavy-pomp rock di tutti i tempi!
Le varie configurazioni sono illustrate sul sito www.dekoentertainment.com. In via d’esaurimento l’edizione “Mega Bundle” (75 dollari oltre alle spese postali ed eventuali dazi del filantropo Trump), che include: vinile splatter bianco e blu – con etichetta Casablanca – oltre al CD, autografi di tutti i membri del gruppo (eccetto lo scomparso Jones) e laminato del tour.

Nessuna traccia bonus, ma bastano ed avanzano le reliquie dell’originale, a partire dal perpetuo brano d’apertura dei loro concerti, “Tower”: un’intro dagli effetti laser che fanno pensare a scenografie da Star Wars, e nell’occasione, il drumming di Brandt resta fra i più spettacolari cicloni ritmici a mia memoria. Poi l’atmosfera fantasy ordita dall’arpeggio di chitarra e dal mellotron, dove Frank Dimino recita uno dei temi mitologici cari ai primi Angel: un cavaliere solitario viaggia nella notte oscura, dove solo la luce di una torre, dal crepuscolo al mattino, guida il suo percorso in una fredda notte invernale…Infine l’esplosione di Frank nelle acrobazie vocali del refrain, l’impeccabile punteggiatura del basso ed un magistrale assolo di chitarra. Niente eccessi, solo pura emozione, e quel suono inaudito del sintetizzatore di Gregg, distinguibile fra mille altri, epico e malinconico insieme. “Tower” rappresenta l’ impareggiabile perfezione nel suo genere.
“Long Time” è il successivo gioiello, si distende in un clima altamente evocativo tracciato dal mellotron. Prima citavo i Moody Blues: certamente loro ed i primi King Crimson rappresentano fonti d’ispirazione, poi gli Angel manifestano il loro potenziale hard rock ed il carisma vocale di Frank è stupefacente. Si avvicendano l’assolo di Punky ed il clavicembalo di Gregg, finché il coro long time… sfuma in lontananza, dispiegando orizzonti onirici.
“Rock & Rollers” è invece il primo passo verso una matrice stilistica prettamente americana e d’impatto immediato, ma il tocco peculiare del quintetto resta inequivocabile. “Broken Dreams” irrompe con un riff che non è blasfemo far discendere da “21st Century Schizoid Man”, ed anche qui rifulge il mai abbastanza lodato Brandt: un brano che avrebbe ben figurato nel repertorio dei classici Atomic Rooster, ma il synth di Gregg è inconfondibile.
Nel verso iniziale, “Mariner” si riallaccia al celebre romanzo di Hemingway (e relativo film con Spencer Tracy) “Il vecchio ed il mare”: il piano di Giuffria accompagna un Dimino da ovazione, poi il mellotron sembra significare il vento che increspa la superficie dell’acqua, in un inesorabile crescendo prog.
Su “Sunday Morning” si addensano invece minacciose nuvole heavy rock: le sfumature progressive, il cantato melodico e le suggestive partiture strumentali plasmano però un mix esclusivo di creatività. Non meno potente, “On & On” fa supporre una risposta americana ai Queen, specie per la chitarra di Meadows, che regge benissimo il confronto con Brian May. Ultima sorpresa: “Angel (Theme)” non è il preludio ma la sigla di chiusura dell’opera: una mini-sinfonia del synth, accompagnato dalla batteria. Sarà riproposta e debitamente rielaborata, in chiusura del secondo album “Helluva Band”.
Questa musica non era assolutamente concepita per un pubblico pop, e la trasformazione degli Angel in gruppo glam anti-Kiss, indotta dai discografici, si è rivelata un passo falso (al di là della perdurante qualità degli album), perché ha scoraggiato l’avvicinamento di un’audience più preparata.
“Angel” resta un assoluto masterpiece. Chi non se ne fosse accorto, è estraneo a questo genere di musica, oppure necessita di un adeguato test uditivo.

Nel 1984, la cantante canadese Lee Aaron si era auto-proclamata Metal Queen, se non con un consenso plebiscitario, quantomeno con credenziali giustificate.
Oggi, se dovessi assegnare lo stesso titolo ad una cantante di tempra heavy rock (l’accezione terminologica di “metal” è ora più radicale) apparsa negli ultimi dieci anni, lo assegnerei indubbiamente a Dorothy Martin. Ne abbiamo già parlato un paio d’anni fa in un articolo dedicato a Wonder Women della scena contemporanea, a seguito del suo più che brillante terzo album, “Gifts From The Holy Ghost” (2022).
Oggi la rockeuse nata a Budapest – ma da tempo residente a Los Angeles – è chiamata a confermarsi con il quarto “The Way”. Nel frattempo, la sua fama si è estesa grazie a collaborazioni eccellenti: con la chitarrista Nita Strauss ha inciso “Victorious”, un inno alla determinazione femminile nell’imporsi ad onta delle proprie difficoltà: un tema evidentemente caro a Dorothy, che ha conquistato ulteriore esposizione a fianco di Slash. Con il chitarrista storico dei Guns N’Roses, la cantante è apparsa dal vivo, ma ha anche registrato come voce solista il brano “Key To The Highway” (tratto dall’album “Orgy Of The Damned”) dove risalta la sua passionale interpretazione rock-blues. Per chiudere la trilogia di featuring, rieccola in duetto con Scott Stapp dei Creed nell’intensa ballata acustica “If These Walls Colud Talk”.
Lo scorso novembre, il singolo “Mud” aveva anticipato l’album con un turgido suono in equilibrio fra hard rock e metal moderno, con impennate di felina aggressività della cantante, sulla spinta dei riff tonitruanti del nuovo chitarrista Sam Bum Koltun. Il filmato sfoggia anche le notevoli grazie di Dorothy, ma prettamente in chiave rocker, senza licenze per ricorrenti pose pruriginose: il suo talento non ne ha bisogno.
Nel brano d’apertura “I Come Alive”, accompagnato da un video d’ambientazione sepolcrale, Dorothy canta “prendo vita quando guardo la morte dritto negli occhi” con verosimili riferimenti autobiografici sul suo passato “spinto al limite” prima di scoprire la fede…L’emozione è palpabile, la musica profonda e permeata di magia voodoo-blues, eppur melodica. L’ispirazione della cantante attinge costantemente dal lato oscuro della vita, chiama in causa i propri “demoni personali”, come in “Haunted House” (ogni giorno è Halloween, quando la tua testa è una casa stregata, senza vie di fuga e piena di cattive intenzioni) oppure in “The Devil I Know” (un fantasma che infesta i miei sogni…ma l’inferno non ha la furia della mia anima); paradossalmente, la musica è heavy, a fosche tinte, ma i refrain assolutamente orecchiabili, rendendo l’esperienza d’ascolto davvero avvincente.

La bravura di Doro Martin è incontestabile, lo dimostra anche nell’atmosfera cinematografica da western-noir di “Tombstone Town”, resa ardente dalla chitarra (e assolo d’obbligo) di Slash che vi partecipa restituendo il favore; nondimeno nelle melodie rock inclini al country di “Puttin’ Out The Fire” e nella ballad nient’affatto edulcorata “Superhuman”. Non colgo sbavature né tanto meno “riempitivi” fra le canzoni di quest’album, certamente all’altezza dell’eccellenza del precedente “Gifts From The Holy Ghost”.
Anzi, “The Way” dimostra come si possa ancora produrre heavy rock di stampo classico con un taglio attuale e personalità nella scrittura dei brani, senza ricorrenti déjà vu (o meglio, déjà écouté…). Se non è imperdibile, poco ci manca.

La Svezia è attualmente il centro nevralgico, in Europa e non solo, del retro-rock ispirato agli anni ’80, sebbene vanti una notevole varietà di “specie protette”, dai teatrali Ghost, ormai stelle affermate, ai prog-modernisti Opeth, per sconfinare nelle gelide terre del metal estremo.
Eredi di uno stile nostalgico dell‘hair metal americano (con il suo concentrato di influssi glam, pop, sleaze…) sono indubbiamente i Crazy Lixx; meritano a buon diritto il rango di veterani di tale revival, che loro stessi hanno contribuito ad originare negli anni duemila.
Abbiamo recensito il precedente album “Street Lethal” del 2021, un assalto frontale al quale era difficile resistere per gli appassionati di un’epoca aurea dell’hard’n’heavy; infatti contestiamo i toni denigratori di certa stampa radical chic, per la quale pochi accordi punk sono sempre più “rivoluzionari” dell’hard rock melodico forgiato con tutti i dovuti crismi.
Nel 2024, il quintetto di Malmö sempre agli ordini del fondatore e vocalist Danny Rexon, si è riaffacciato sul mercato discografico con “Two Shots At Glory”, antologia con inediti; un mese fa è uscito il nuovo album di studio, “Thrill Of The Bite”, adornato da una copertina che emula nella posa fotografica le illustrazioni di Ken Kelly per i Kiss (“Destroyer”) ed i Manowar (“Fighting The World”). Al fianco di Rexon, al bassista Jens Andersson ed al tandem di chitarre, Jens Lundgren e Chrissie Holson, è cambiato solo un fattore, il nuovo batterista Robin Nillson, ma non il prodotto.
Infatti il loro ritorno in azione è esattamente ciò che potevamo attenderci dagli autori di “Street Lethal”. Sembrerebbe limitativo, ma non lo è se valutiamo la carica di un suono viscerale d’indubbia energia, l’impeto delle parti vocali, in altri termini: la credibilità della proposta che non delude le aspettative. Ovvio, non c’è da pretendere nessun cambiamento sbalorditivo dai Crazy Lixx, ma è quello che chiede il loro pubblico? Forse un allineamento a certe lune cacofoniche del metal moderno? Assolutamente no: chi ha amato quel suono, lo desidera divertente e VITALE. Rexon si permette anche di contestare l’affermazione del “leggendario bassista” di una famosissima band, secondo il quale, ormai “il Rock’n’Roll é morto”. Opinione rispettabile di Gene Simmons – da storica icona rock qual è – meno ammirevole quando richiede una cifra astronomica ai fans desiderosi di vivere la bass experience ad un suo concerto!

Crazy Lixx rispondono al suo j’accuse con lo scatenato anthem (e singolo) “Who Said Rock N’ Roll Is Dead”. Il videoclip riporta stralci di un film del ’92, “Wayne’s World”, con protagonisti due nerd appassionati di metal, cameo di Alice Cooper e colonna sonora a base di Queen-Cinderella-Sabbath-Hendrix etc.
Lo start è sbandierato a tutto volume dall’ancor più roboante “Highway Hurricane”, mentre “Recipe For Revolution” è un mid-tempo a tambur battente di cui si sono quasi perse le tracce. Prevedibilmente, non si contano le affinità con il passato, dal riff graffiante simili-Ted Nugent in “Run Run Wild” all’irruenza al pari degli Skid Row nell’edonistica “Little Miss Dangerous”. Nessuna rituale ballata nella “sporca decina” di brani, solo una concessione alla melodia più ariosa di “Hunt For Danger”.
Che il party (metal) abbia inizio.

Si può essere alquanto critici nei confronti di correnti rock e metal emerse negli ultimi trent’anni, ma talvolta fattori di pregiudizio possono inibire l’ascolto di proposte musicali sorprendenti.
L’alleanza stretta nell’ormai distante 2007, fra il cantante Bjorn Strid ed il chitarrista Dave Andersson – già insieme nei Soilwork – con il bassista degli Arch Enemy, Sharlee D’Angelo, non era tale da sollecitare l’attenzione di chi era cresciuto attingendo a fonti classiche del rock (pur riconoscendo a quest’ultimo la militanza nei retro-stoners Spiritual Beggars). Invece The Night Flight Orchestra hanno presto palesato un insospettabile e competente amore per le limpide sonorità dell’AOR anni ’80. Tutti noi, ascoltatori di lungo corso, giudichiamo insuperabili i maestri di siffatto genere (e non è il caso di nominarli per l’ennesima volta), ma dobbiamo anche ammettere che non tutto ciò che si estraeva nella miniera d’oro degli Ottanta fossero luccicanti pepite. Vivacchiavano anche numerosi gruppi derivativi; rispetto a questi ultimi, formazioni contemporanee come gli svedesi Nestor, Daytona, Perfect Plan e prima di loro, The Night Flight Orchestra, hanno dimostrato che il tempo non è trascorso invano, e si possono rielaborare con freschezza e creatività attuale anche canoni musicali relegati nel passato. Quel che conta, per l’ennesima volta e più che mai in questa arena (rock), è la qualità delle canzoni.
Si poteva semmai dubitare che i NFO, reduci dalla non irresistibile coppia di album degli anni 20-20 (“Aeromantic” e “Aeromantic II”), a maggior ragione dopo l’abbandono del tastierista Richard Lanford ed il prematuro decesso del principale compositore, David Andersson, potessero ancora decollare verso l’AOR Heaven. Invece il rinnovato equipaggio è pronto a superarsi, ed il settimo album “Give Us The Moon” è quanto di meglio potessimo aspettarci dal loro come-back, rappresentando un termine di paragone difficilmente eguagliabile dai competitors in circolazione.
Dopo il gimmick d’apertura, ossia la “chiamata finale” per il volo da parte delle hostess, il Jet dei NFO imposta subito le giuste coordinate in “Stratus”: immaginifica intro di tastiere, che poi combinano con la chitarra il riff trainante, cori d’effetto ed un’atmosfera che riecheggia gloriosi slanci di Asia, Shooting Star, Styx. “Shooting Velvet” ha un refrain talmente accattivante da teorizzare una versione rock degli Abba (non sottovalutate uno dei più originali gruppi storici di popular music) anche grazie al contributo delle coriste, fondamentale nell’intero sviluppo del disco.

“Like A Beating Of My Heart”, oltre alle armonie vocali a presa rapida, contempla una ritmica dance ed un sofisticato arrangiamento pomp-rock. La voce di Bjorn suscita il paragone con uno dei più nobili rappresentanti del classico AOR, Bobby Kimball dei Toto, ed anche per questo motivi salienti quali la ballata in crescendo “Paloma”, l’arrangiamento di prima classe di “Cosmic Tide” o il ritmo funky di “A Paris Point Of View” si confrontano senza complessi di inferiorità con il più versatile gruppo storico di L.A.
Altri episodi come la title-track oppure “Way To Spend The Night” (in quest’ultima emerge più che altrove l’affinità con la scena svedese) dimostrano come sia la capacità di comporre anthem accattivanti a far la differenza e onestamente, non trovo nulla di trascurabile in quest’album altamente consigliato anche a smaliziati cultori del rock melodico.

Dopo il promettente album d’esordio, Bon Jovi ottenevano analoghi risultati di vendita con il successivo “7800° Fahrenheit” (1985), ma i progressi sul fronte commerciale non corrispondevano alle maggiori aspettative del loro entourage e della casa discografica, che s’interrogavano sulla rendita dell’investimento. Il tour americano con i Ratt rappresentò l’inversione di tendenza, poi l’ascesa dei Bon Jovi era confermata dalla partecipazione al “Farm Aid”, lo spettacolo benefico organizzato da John Cougar nell’estate 1985 a favore degli agricoltori americani vessati dalla politica reaganiana. Il gruppo del New Jersey poteva così esibirsi di fronte a oltre 80.000 presenti; l’evento era inoltre seguito da milioni di telespettatori. Un’occasione di incalcolabile portata promozionale che certamente gettava le basi per il macroscopico successo del terzo album, “Slippery When Wet”. Ma il gruppo non dimenticava l’accoglienza favorevole del pubblico inglese, e dopo il primo tour in qualità di attrazione principale, in maggio, tornava trionfalmente nel Regno Unito in occasione del festival “Monsters Of Rock” di Castle Donington (agosto 1985). I Bon Jovi erano in programma come terzo gruppo più importante dello spettacolo, dopo ZZ Top e Marillion, ma davanti ai Metallica e agli stessi Ratt.
Eccitato dall’entusiastico bagno di folla, Jon manifestava profeticamente il desiderio di tornare come headliner, onore che gli spetterà due anni dopo. A fine anno l’intensa esposizione dal vivo del gruppo aveva proiettato “7800° Fahrenheit” oltre il milione di copie vendute a livello internazionale, scongiurando così le riserve sul potenziale dei Bon Jovi. Il quintetto era ormai pronto a dare il colpo di grazia: il successivo “Slippery When Wet” (agosto 1986), diventa infatti l’apoteosi, sia sotto il profilo artistico che sul piano commerciale. Il suo record di vendite ammette rari paragoni: oltre 28 milioni di copie vendute nel mondo, di cui 15 negli U.S.A., dove ha regnato per due mesi al primo posto della classifica di Billboard, con una permanenza consecutiva in classifica ben superiore all’anno, che l’ha reso l’album in assoluto più venduto in America nell’87.
Il terzo Bon Jovi incarna la perfetta formula party rock, ovvero una collezione di contagiosi successi pop dispensati a colpi di martello attraverso scoppiettanti ritmi hard. In origine la copertina doveva raffigurare una procace fanciulla che esibiva una succinta T-shirt bagnata con il titolo del disco; ma la foto appariva troppo spregiudicata e dunque confinata al mercato giapponese e a pochi altri. La formula vincente è la collaborazione con il produttore canadese Bruce Fairbairn e con il compositore Desmond Child.

Come se non bastasse, completava il team un altro grande prospetto, l’ingegnere del suono Bob Rock. La stessa trilogia d’assi rilancerà prepotentemente gli Aerosmith di “Permanent Vacation”. All’epoca dell’alleanza con Bon Jovi nessuno di loro aveva ancora legato il proprio nome a realizzazioni discografiche di risonanza assoluta. Fairbairn, che vantava importanti esperienze con Blue Oyster Cult, Black’n’Blue, Loverboy e vari artisti dell’AOR canadese, forgia per il disco l’ideale suono pop metal di metà anni ’80; Desmond Child, un personaggio cult nell’ambito del rock melodico – specie per il secondo album con le Rouge, “Runners In The Night” – ha la tempra del compositore di anthem a presa rapida. Infatti “Slippery When Wet” è letteralmente costellato di brani orecchiabili e trascinanti.

Restano comunque maggiormente impressi i singoli più famosi, come “You Give Love A Bad Name”, subito al primo posto negli Stati Uniti nonché archetipo di altri successi dalla formula affine firmati Desmond Child, e “Livin’ On A Prayer”, dove per la prima volta Jon avvicina lo stile springsteeniano e la sua visione piuttosto enfatica dell’eroe della classe operaia. Ma il pezzo che sbaraglia la concorrenza è “Wanted Dead Or Alive”, magistrale power ballad che rievoca nel prologo acustico i Led Zeppelin nonché il fascino dei grandi orizzonti cinematografici western. Il cantante caratterizza il brano con una delle sue più intense interpretazioni da credibile, moderno desperado.
Pronti per la conquista del pianeta, i Bon Jovi partivano alla volta di un ambizioso giro del mondo in 16 mesi, che giungeva all’apice quando il gruppo ribadiva il suo ruolo di nuova superpotenza sul fronte di Castle Donington (22 agosto 1987) in qualità di principale attrazione del festival “Monsters Of Rock”.
In anticipo rispetto al suo 39° anniversario, “SWW” riappare sul mercato in una nuova edizione picture disc, che riproduce la copertina più diffusa, senza variazioni contenutistiche, oltre al doppio CD che aggiunge 7 tracce bonus. La più stimolante è la versione acustica della classica “Wanted Dead Or Alive”, impreziosita dai ricami della chitarra di Sambora e con la voce di Jon più abrasiva del solito. I differenti mix di “Livin’ On A Prayer” e “Raise Your Hands” sono semplicemente più estesi, con un saggio di solista powerhouse in apertura della seconda. Si evidenzia poi una sintesi del concerto del marzo 1987 (ancora “Livin’ On A Prayer” e “Wanted…”) alla leggendaria Cobo Arena di Detroit, con pubblico particolarmente hot che richiama l’atmosfera infuocata dello storico “Alive” dei Kiss. In chiusura il remake, fin troppo prolungato (circa 12 minuti fra intrattenimento con l’audience e divagazioni strumentali), dell’inno “Let It Rock”. Segnalo che stante l’enorme notorietà del disco, le proposte d’ascolto a margine sono tutte tratte dal bonus CD.
Piaccia o meno, “Slippery When Wet” è una pietra miliare della musica giovane degli anni ’80 (non è questione di sottogeneri, AOR, pop-rock o hair metal che dir si voglia), perché allora Bon Jovi erano realmente un’invincibile armata del rock & roll.