RIVIEWS: Bon Jovi, Nestor, Blue Öyster Cult etc.

Il format di “Rock Around The Blog” non è stato concepito per le recensioni, si presta maggiormente ad un approfondimento monotematico, ad esempio: il nuovo album o una riedizione, e l’inquadramento più generale in un certo contesto storico; oppure, una serie di dischi, canzoni o gruppi, legati da un trait d’union comune.
Ovvio che i modi per sviluppare gli articoli siano molteplici, e lasciati alla discrezione dell’autore (Giancarlo ed io), ma sempre di pezzi piuttosto ingombranti si tratta, anche per giustificare le nostre apparizioni non proprio assidue – la vita di tutti i giorni non ce lo consente – sul Blog stesso.
Ci piace lasciare una traccia significativa del nostro pensiero a qualche affezionato lettore e tanto speriamo possa bastare. D’altronde è impensabile concorrere con siti o riviste costituite da svariati protagonisti e/o professionisti, che possono permettersi un vasto raggio d’azione e si sfidano a colpi di anteprime etc.
Ere geologiche fa e per anni, anche noi eravamo pronti a questi cimenti, ma ora le modalità sono sensibilmente cambiate; la prospettiva di recensire in continuità sulla base di files di pre-ascolto su PC o altro non è (eufemismo!) la mia metodologia prediletta. Ciò non toglie che la passione per scrivere commenti su novità discografiche è profondamente radicata in me, ne faccio spesso il pretesto per sviluppare l’indagine su un artista, gruppo o genere musicale.
In passato ho scritto e pubblicato una quantità notevole di recensioni: non ne ho mai tenuto né vantato il conto, ed erano abbastanza analitiche da non risolversi in poche righe. Da tempo sono attuati dalle redazioni schemi prestabiliti per controllarne le dimensioni, li ho praticati a mia volta, trovandoli un po’ restrittivi. In quest’occasione ho dunque voluto raccogliere una serie di recensioni di uscite più o meno recenti, che non hanno alcuna ambizione se non la volontà di esprimere il proprio pensiero su nomi a me congeniali. Se avete già questi dischi nella vostra collezione, vi propongo semplicemente un confronto d’opinioni. E mi perdonerete la storpiatura del titolo in Riviews, non di errore si tratta ma di spiritosaggine dello scrivente.

Ci siamo occupati diffusamente dei primi lampi di gloria di Bon Jovi in occasione del 40° anniversario dell’omonimo album (1984) e conseguente ristampa celebrativa in vinile. Ma non si vive di solo passato e Jon, una delle più grandi rockstar americane di sempre – le vendite discografiche non sono un’opinione – torna in azione dopo il delicato intervento chirurgico alle corde vocali, con la sedicesima impresa di studio della sua band, che ancora include i compagni di sempre, il tastierista David Bryan ed il drummer Tico Torres.
Se erano stati avanzati dubbi sulla direzione musicale di recenti e discussi lavori, affermiamo subito che “Forever” (Island) è un quintessenziale album dei Bon Jovi, in linea con lo stile che li ha elevati ben al di sopra di molti concorrenti negli anni ’80, semplicemente con un approccio meno impulsivo e calibrato sulla maturità dei musicisti. A livello puramente energetico ne risente un po’ la componente hard rock (melodico) ma a livello di eleganza espressiva, varie composizioni risultano decisamente riuscite.
“Forever” è stato anticipato dal primo singolo “Legendary”, uno dei tre brani firmati in rinnovata collaborazione con Billy Falcon, un protetto di Jon che aveva prodotto il suo album di maggior successo, “Pretty Blue World” del ’91. Esordisce su un suadente arpeggio di chitarra che ne accompagna la strofa, ben cantata dal riabilitato leader e si risolve in un’incalzante canzone rock da stadio. Non aspettatevi dunque un Jon Bon Jovi esplosivo alla maniera della classica “You Give Love A Bad Name”, ma il suo timbro vocale sembra recuperare la freschezza delle origini. Nella successiva “We Made It Look Easy”, rende omaggio ad uno dei suoi ispiratori, Bruce Springsteen, nella dinamica e specialmente nel passaggio di tastiere a seguire il refrain, che riecheggia palesemente “Born To Run”.
Uno dei brani migliori, “Waves”, riallaccia il filo con la comfort zone anni ’80 dell’autore: è una power ballad dove il chitarrista Phil X offre un saggio di bravura, con l’assolo d’effetto che decolla letteralmente nello spazio. Il secondo singolo “Living Proof” è alquanto tipico, con un riff di chitarra munito di talk-box che chiama in causa il modello vincente di “Livin’ On A Preyer”, e nella stessa “Walls Of Jericho”, un anthem prettamente bonjoviano, il cantante sembra fare il verso a sé stesso.

Altri manifesti musicali sono più caratteristici della fase matura di “Forever”: spiccatamente “Seeds”, pomp-rock con arrangiamento dall’enfasi orchestrale e pregevole crescendo conclusivo, oppure ”The People’s House”, con il ritmo incalzante dettato dal piano di Bryan in bello stile, pungolato da un altro rimarchevole assolo di chitarra.
Episodi d’atmosfera davvero intrigante sono “Hallow Man”, una ballata intimista e countryeggiante, interpretata con intenso savoir faire emozionale da Jon e “My First Guitar”, sorta di struggente, forse ingenua dichiarazione d’amore verso il suo primo strumento a sei corde, dal fascino discreto.
In conclusione, più luci che ombre in questo come-back di Bon Jovi, che ancora riesce a formulare canzoni di qualità contagiosa dotati di un appeal a cui è difficile resistere, almeno per i suoi appassionati di lungo corso.

Si tratta di un gruppo di alieni, catapultati qui da una galassia retrò che vive con anni di ritardo l’epoca d’oro dell’AOR? Me lo sono domandato ascoltando l’album d’esordio dei Nestor, “Kids In A Ghost Town”, nel 2021.
Vari indizi contribuivano al sospetto: un brano intitolato “1989” rievocava proprio un anno magico del rock melodico (non a caso sul Blog avevo già celebrato, nel 2020: “1989: Un Anno di AOR Heaven”) e scoprivo che coincideva con l’anno stesso di fondazione del quintetto svedese; è rimasto a lungo nell’oscurità, dopo le prime mosse all’insegna del prog-metal, causa scioglimento e ricostituzione che induceva ad un cambiamento stilistico. Infatti un’altra canzone, “Tomorrow”, ospitava nientemeno che Samantha Fox, cantante e sex symbol inglese che doveva la sua fama ad un provocante hit del 1986, “Touch Me (I Want Your Body)”. Come se non bastasse, i Nestor cantavano le lodi di Demi Moore – che aveva iniziato la sua carriera d’attrice negli anni ’80 – in “Perfect 10 (Eyes Like Demi Moore)”. Dunque un legame evidente con il vissuto di quel decennio, ed è pur vero che le fredde terre scandinave sono da lungo tempo il terreno più fertile del rock melodico, tradizione che continua imperterrita dagli esordi di antesignani quali Europe (soprattutto), Treat, Dalton, Glory, Bad Habit etc. E’ però altrettanto vero che i loro epigoni peccano spesso di un suono codificato, prevedibile, munito di sonorità distanti dalle lussureggianti produzioni di un tempo. Quest’ultimo fattore è difficilmente superabile anche con i “moderni mezzi”, ma c’è modo e modo di emulare. Abbondano plagiari francamente tediosi, e per contro musicisti ispirati, che pur non inventando nulla, riescono con indubbio talento a ricreare certa magia d’atmosfere musicali. Ed è ciò che rende più credibili di tanti altri i Nestor.
Alla prova del secondo album, “Teenage Rebel” (Napalm), con una copertina che si può confondere con quelle allineate negli scaffali dei negozi di dischi di una volta, il gruppo di Falkoping non può destarci meraviglia come al debutto, ma riafferma i propri valori. Dopo il singolare prologo “The Law Of Jante”, recitato dall’attrice Freya Miller (la legge di Jante è un’attitudine tipicamente scandinava nel denigrare chi riscuote successo!), “We Come Alive” riconduce alla memoria degli sfarzosi White Sister, mentre il brano che intitola l’album è un rampante modello di hard rock melodico.

Illustrati da piacevoli videoclip, “Victorious” esibisce il propellente del singolo accattivante, e “Caroline” è un episodio romantico ad ampio respiro, che si conclude con un coro a cappella. A livello strumentale il quintetto è impeccabile, gli interventi del chitarrista Jonny Wemmenstedt sono virtuosi e limpidi, gli addobbi delle tastiere di Martin Johansson colorano il suono di eleganti coreografie, ma certamente la voce immacolata di Tobias Gustavsson è la stella che illumina la musica, capace di emulare grandi eroi dell’AOR ’80 senza copiare pedissequamente nessuno. Ascoltate “The One That Go Away”, una ballata che gli Asia non avrebbero trascurato, oppure “Unchain My Heart” che non è la stessa di Dokken, ma la paternità del riff potrebbe essere di George Lynch, ed infine il pomp-rock di “9-21”, con il synth in stile Gregg Giuffria.
Facile a dirsi, non a farsi, altrettanto bene.

Trovo davvero irritante leggere superficiali considerazioni di analisti rampanti di fresca generazione sui Blue Öyster Cult, magari limitando la propria prospettiva alle opere più recenti, oppure ironizzando sull’intoccabile reputazione del gruppo nella cerchia degli appassionati hard’n’heavy di lungo corso. Per chi ha vissuto le loro origini, è fuor di dubbio che i BÖC abbiano tramandato una riconversione della formula heavy metal (tale era la definizione, andatevi a documentare sulla stampa dell’epoca) nei loro primi tre, leggendari album della prima metà anni ’70: “B.Ö.C.”, “Tyranny And Mutation” e “Secret Treaties”. Furono persino dipinti come i Black Sabbath “americani” e ad onorare questo titolo fu realizzato anche un “Black & Blue Tour” negli USA, proposto dal produttore dei Sabbath, Martin Birch, che aveva eseguito lo stesso incarico in “Cultosaurus Erectus” (1980) dei BÖC. Ma poco importa se il gruppo in questione fosse più o meno heavy, ciò che conta è che ha lasciato un’eredità inestimabile, con un suono originale, ammantato di peculiari suggestioni oscure e fantascientifiche, avvalorate da liriche intellettuali (ricordiamo il contributo di Patti Smith e Michael Moorcock), fattore piuttosto raro nel rock a tutto volume.
Oggi sono due i membri superstiti del quintetto originale: Eric Bloom, che si avvicina agli 80 anni e Donald Roeser (Buck Dharma), non molto distante. Per l’occasione hanno assemblato quello che verosimilmente sarà il loro album d’addio, “Ghost Stories” (Frontiers); si tratta di materiale d’archivio tratto da registrazioni fra il 1978 ed il 1983, mai apparse nello loro discografia di studio, naturalmente processate e rimissate con l’ausilio della tecnologia moderna: vi suonavano anche i componenti originari, i fratelli Bouchard e Allen Lanier. Il materiale può apparire disomogeneo, ma in realtà copre il vasto raggio d’ispirazione che ha sempre caratterizzato la carriera dei BÖC.
Si apre con “Late Night Street Fight”, un mid-tempo piuttosto muscolare dal tocco esoterico tipico della band, e basta un intervento della solista di Buck Dharma per ravvivarne il ricordo di chitarrista fra i più ingiustamente sottovalutati della storia. “Cherry” è un omaggio al classico rock’n’roll, ma evidentemente più caratteristico è il brano-anteprima dell’album, “So Supernatural”, permeato di quell’alone melodico e spettrale che ha senz’altro influenzato gli ormai celebri Ghost, da “Ritual” in poi: vi ascoltiamo anche un arpeggio di chitarra che si riallaccia al principale successo del Culto, “Don’t Fear The Reaper”.

Qui incluse anche le uniche versioni in studio di due imperituri classici come “We Gotta Get Out Of This Place” degli Animals e “Kick Out The Jams” degli MC5, già contemporaneamente immortalate sul secondo album dal vivo dei BÖC, “Some Enchanted Evening” (1978). “Shot In The Dark” si cala in un’ambientazione jazz che suggerisce l’accostamento ai contrastanti flashes di “Monsters” (da “Cultosaurus”). La varietà rock rimbalza poi dall’attraente melodia psych di “The Only Thing”, all’impronta southern di “Money Machine”, sfumando nei melodrammatici cori AOR di “Don’t Come Running To Me” (memorabile in quest’ambito la loro “Take Me Away”, scritta da Aldo Nova). Per finire una versione unplugged di “If I Fell” dei Beatles, probabilmente un divertimento in sala di registrazione, con il contributo ai cori di Kasim Sulton degli Utopia. “Ghost Stories” non è album indispensabile, ma certamente godibile per i completisti della grande formazione.

Demon non hanno certo rappresentato un’entità elusiva per i cultori della prima ora New Wave Of British Heavy Metal.
Nell’ormai lontano 1980 esordivano con il primo singolo su Carrere, “Liar”, seguito nell’81 dal debut-album “Night Of The Demon”, sempre per l’etichetta di Saxon e Rage.
Il quintetto fondato da Dave Hill (voce) e Mal Spooner (chitarra) – entrambi compositori del repertorio – si presentava con un’illustrazione di copertina all’insegna dell’arte macabra e con il testo altrettanto tenebroso della title-track, allineandosi idealmente con le contemporanee matrici proto-doom di Angel Witch, Witchfinder General, Witchfynde. In realtà, fin dal primo LP e dal secondo 45 giri (ivi incluso), “Ride The Wind”, palesavano una vena più versatile e non strettamente heavy, dotata di un proprio afflato melodico. Poi il Demone di Stoke-on-Trent prendeva le distanze dal ruolo assegnatogli di gruppo dedito all’occulto, e con il secondo “The Unexpected Guest”, invocava l’eredità dei Black Sabbath indirizzati da Ronnie J. Dio verso uno stile più epico. La versione di “Don’t Break The Circle”, realizzata dai celebri Blind Guardian, riaccenderà la luce sui sortilegi dei Demon, che con il terzo album “The Plague” proponevano addirittura un concept ispirato alle tragiche prospettive futuristiche del “Grande Fratello” di George Orwell, poste in musica con ambiziosi spunti progressive.
Nonostante la prematura scomparsa di Spooner, Demon proseguivano con alterne vicende fino allo scioglimento del 1992. Come tanti veterani metal, anche l’immarcescibile Dave Hill ha rilanciato la sua creatura nel Terzo Millennio, pubblicando quattro album fra il 2001 ed il 2016.
Nel maggio ’24 i Demon hanno celebrato il 45° anniversario della loro fondazione con il nuovo “Invincible” (Frontiers). Non si tratta di un’improbabile sfida agli ultimi Judas Priest, ma di un’opera ben meritevole di attenzione.

Si riallaccia alle origini con un’intro di tastiere seventies che evoca addirittura i Black Widow di “In Ancient Days”, seguita dalla dirompente “In My Blood”, che nei cori e nel riff cesellato, avvicina il modello delle attuali stelle nere Ghost. Naturalmente Hill non altera le caratteristiche della sua vocalità, simile ad un Ronnie Dio dalla timbrica più grave, e lo conferma nell’efficace “Face The Master”, che oltre ad un’overture da film horror, evidenzia un originale, potente riff dagli accenti funky e un refrain impetuoso ma elegante, memore dei trascorsi NWOBHM. “Hole In The Sky” (no Sabbath relation) è un altro pezzo-forte: si dispiega su arpeggio e sonorità sinfoniche che si risolvono in atmosfere doomy, sapientemente illustrate dalla voce teatral-spettrale del leader. Concludo segnalando “Break The Spell”: suona come un impeccabile tributo al pomp-rock dei disciolti Magnum.
“Invincible” rende onore al passato dei Demon, niente di meno.

A suo tempo vi abbiamo presentato negli Short Talk “Something That Your Eyes Won’t See”, il debut-album dei Remedy, un quintetto di Stoccolma guidato dal chitarrista Roland “Rolli” Forsman, già fra i protagonisti dei musical “We Will Rock You” e “Rock Of Ages”. Notoriamente in Svezia è più che mai d’attualità un genere in sottile equilibrio fra l’hard rock, AOR e metal melodico ispirato agli anni ’80 americani, condensati nella tipologia musicale battezzata Scandi rock.
Approdati ad un’etichetta specializzata in tema di rock melodico, Escape Music, a fine maggio i Remedy tornano sul mercato con il secondo album “Pleasure Beats The Pain”, ancora con la supervisione di studio di Erik Martensson degli Eclipse. Ad incoraggiarne ed anticipare l’ascolto, il titolo dal tocco noir di “Moon Has The Night”, ben evidente nel videoclip che lo rappresenta: si tratta di hard melodico con cori dal tono drammatico, nulla di nuovo (in questo caso) sotto la luna, ma l’esito è convincente. Un altro video-singolo inaugura l’album, “Crying Heart”, che riecheggia i prime-movers svedesi Treat con un accentuata enfasi sinfonica nell’arrangiamento di tastiere e nei cori austeri.

La formula non è certo un mistero insondabile: armonie vocali ad ampio respiro (“Hearts On Fire”), ben amministrate dal cantante e secondo chitarrista Robert Van der Zwan, riffs d’impatto (che evochino i Dokken in “Caught By Death” oppure i Ratt in “Poison”) ma con l’addizione di tastiere ben presenti, ad esempio in “Girl’s Got Trouble”, con l’organo vintage in stile Uriah Heep. Non sorprende troppo che un gruppo svedese renda a suo modo omaggio alle icone pop nazionali Abba in “Angelina” – limitatamente al refrain – mentre il quadro si completa con “Something They Call Love”, una ballata un po’ edulcorata, dal vistoso arrangiamento orchestrale ed un’interpretazione alla Bon Jovi di Van der Zwan.
L’assortimento espressivo nell’ambito del genere musicale perseguito è apprezzabile come la qualità e la coesione degli strumentisti, resta da affinare una personalità più identificata nel linguaggio compositivo.

Gli anni ’80 non sono stati terra di conquista riservata in esclusiva alle legioni hard’n’heavy. Infatti il fronte dilagante dell’After Punk estendeva i suoi tentacoli in molte direzioni, dalle tendenze votate alla sperimentazione alle proposte di maggior tasso d’inquinamento commerciale.
Billy Idol era emerso dall’insurrezione punk della prima ora, suonando con i Chelsea e poi imponendosi nei Generation X come carismatico frontman. Trasferitosi in America nel 1981 dopo lo scioglimento del gruppo, stringeva alleanza con il geniale chitarrista di Brooklyn, Steve Stevens, e con il produttore Keith Forsey, a sua volta di New York, affermatosi al fianco di Giorgio Moroder. I tre artisti salivano sul treno in corsa del lancio di MTV, ed il primo album omonimo di Billy era un istantaneo, macroscopico successo. Il cantante non tradiva affatto il suo cognome (d’arte) diventando davvero un Idolo, specialmente per il pubblico femminile. Balzava agli occhi il suo fascino perverso che aggiornava la casistica del divo cresciuto sotto il segno di sesso, droga e rock’n’roll. Da un lato un atteggiamento duro ed arrogante, al confine fra punk e hard rock (non a caso figura nell’Enciclopedia Rock Hard & Heavy che curai per l’Arcana nel 1991) ma al contempo un aspetto glamour ben confezionato; Billy deve molto della sua celebrità al “fattore immagine”, tanto importante alla fiera delle vanità di MTV. Ma non è un concetto necessariamente negativo, MTV avrebbe spianato la strada al successo di gruppi eccellenti quanto trascurati come Angel, Starz, Rex, se fosse nata prima…Inoltre il cantante dalle origini londinesi riesce a concentrare nel suo precipuo stile espressivo/vocale l’innata sensualità da moderno Elvis Presley e l’aura drammatica di un’icona “bella e dannata” quale Jim Morrison.
Il secondo album di Idol, “Rebel Yell” è l’apogeo della sua carriera discografica, che non avrebbe mai più raggiunto quei picchi. Alcuni brani sono classici riconosciuti dell’epoca, dal rock’n’roll rinnovato ed incalzante della title-track, alla produzione che mescola sapientemente effetti elettronici new wave ai sofisticati orizzonti AOR di in “Daytime Drama”. Il suono è originale, fa breccia anche nelle mura difensive dei battaglioni heavy rock quando la solista di Stevens sale al proscenio, ad esempio nel potenziare la fatale melodia di “Man Without A Face”. La partenza accelerata e rombante del chitarrista in “Blue Highway” si commenta da sola; ricordiamo che lui è il co-autore di tutti i brani con Billy e quando se ne andrà, oltre a collaborare con svariati famosi, consegnerà alla storia il super-classico hair metal degli Atomic Playboys (alla voce l’ex Warrior, Parramore McCarty).

Invece il clima insidiosamente felpato della cruda “Flesh For Fantasy” lascia immaginare una versione dark dei Simple Minds.
La riedizione 2024 di “Rebel Yell” (Capitol) contempla un bonus CD inaugurato dall’inedita e accattivante “Best Way Out Of Here”, dallo stile obliquo fra funk e fusion; ma la punta di diamante è una versione di “Love Don’t Live Here Anymore” dei Rose Royce, gruppo soul della Motown. Idol sfoggia una rimarchevole, abrasiva interpretazione R&B, ma deciderà di ometterla dall’album, appresa la notizia che Madonna l’avrebbe a sua volta coverizzata in “Like A Virgin”. Le demo più sporche ed aggressive di “Daytime”, “Flash” e di “Crank Call”, con un riff che combina T. Rex e Cult, valgono decisamente l’ascolto. Unica eccezione, il remix da deejay di “Eyes”, superfluo per non dire di peggio.
Ma “Rebel Yell”, piaccia o meno, è un momento topico del rock anni ’80.